O Academy Awards, popularmente conhecido como Oscar, é amplamente considerado o “ápice da carreira de um ator” e o “prêmio de maior prestígio na indústria cinematográfica global”. Receber a cobiçada estatueta dourada é frequentemente visto como o “selo máximo de aprovação da indústria cinematográfica”, um profundo reconhecimento dos colegas de que a dedicação e a arte de um ator culminaram em uma atuação “tão impactante que eles se sentiram motivados a coroá-lo o melhor em sua categoria”. Essa honra singular significa um nível de desempenho que poucos alcançam.
Apesar desse imenso prestígio, um número surpreendente dos talentos mais reverenciados de Hollywood, atores que consistentemente entregaram “trabalho exemplar ano após ano”, foram repetidamente “deixados de lado” na disputa por um Oscar de atuação. Esse fenômeno recorrente é muitas vezes visto por entusiastas do cinema e críticos como um “crime contra a arte e o bom gosto”.
Esta exploração celebra as carreiras de dez desses luminares, reconhecendo suas imensas contribuições para a arte do cinema. É vital reconhecer, como observou apropriadamente a Entertainment Weekly, que “não ter uma vitória não torna o talento de um ator medíocre de forma alguma. Na verdade, arriscaríamos dizer que algumas estrelas sem Oscar resistirão ao teste do tempo muito mais do que algumas que de fato ganharam o ouro”. Suas histórias não apenas iluminam seu brilho individual, mas também lançam luz sobre a intrincada, e por vezes perplexa, dança da votação da Academia e a natureza multifacetada da conquista cinematográfica.
O reconhecimento consistente que esses atores receberam da Academia, muitas vezes por meio de múltiplas indicações ao longo de décadas, ressalta seu talento extraordinário. Esse reconhecimento repetido, justaposto à ausência de uma vitória, torna suas jornadas ao Oscar particularmente atraentes e dignas de exame.
Os Talentos Não Coroados
1. Glenn Close: A Rainha Reinante dos Quase-Oscars
Glenn Close se destaca como uma verdadeira titã tanto do palco quanto da tela. Sua ilustre carreira, que abrange mais de cinco décadas, é adornada com uma infinidade de prêmios, incluindo três Primetime Emmy Awards, três Tony Awards e três Globos de Ouro. Em 2019, a revista Time a nomeou, com razão, uma das 100 pessoas mais influentes do mundo, um testemunho de seu impacto de longo alcance. Close é celebrada por sua extraordinária versatilidade e sua profunda capacidade de retratar “personagens complexos e atraentes com profundidade, intensidade e vulnerabilidade”. Ela é uma atriz que consistentemente “dá vida a cada personagem”, transmitindo com maestria tanto “vulnerabilidade quanto força em igual medida”. Além de suas monumentais contribuições para as artes cênicas, Close também é uma defensora apaixonada da conscientização sobre saúde mental e dos direitos das mulheres.
Sua jornada no Oscar é lendária: Close detém o recorde nada invejável de ser a atriz viva mais indicada sem uma vitória competitiva no Oscar, dividindo essa distinção com o falecido Peter O’Toole, ambos acumulando oito indicações de atuação sem garantir uma vitória. Essa notável sequência de indicações por si só diz muito sobre o reconhecimento consistente da Academia por seu talento excepcional em uma diversa gama de papéis e eras cinematográficas. Suas indicações incluem: Melhor Atriz Coadjuvante por O Mundo Segundo Garp (1982), onde interpretou memoravelmente uma mãe feminista; O Reencontro (1983), incorporando um arquétipo da geração baby boomer; Um Homem Fora de Série (1984), como um comovente interesse amoroso; e muito mais tarde, por Era uma Vez um Sonho (2020). Suas indicações para Melhor Atriz vieram por alguns de seus papéis mais icônicos: a perigosamente obcecada Alex Forrest em Atração Fatal (1987); a astuta e manipuladora Marquise de Merteuil em Ligações Perigosas (1988); sua transformadora atuação como uma mulher vivendo como um mordomo inglês em Albert Nobbs (2011); e sua performance aclamada pela crítica em A Esposa (2018).
Dentre essas, várias performances se destacam como momentos em que o ouro do Oscar parecia tentadoramente ao alcance. Sua interpretação de Alex Forrest em Atração Fatal foi um marco cultural, impulsionando-a ao estrelato internacional e gravando o termo “coelhinha fervida” (referência à “bunny boiler”) no léxico. Roger Ebert elogiou sua atuação como “aterrorizante e ainda assim sempre plausível”, observando que o roteiro de James Dearden permitiu que ela “iscasse seu anzol com gracejos melosos e então o fisgasse com ciúme, possessividade e finalmente culpa”. Apenas um ano depois, sua maquiavélica Marquise de Merteuil em Ligações Perigosas lhe rendeu outra indicação para Melhor Atriz e fervorosa aclamação da crítica. Muitos críticos e cinéfilos ainda argumentam que esta foi a atuação pela qual ela inequivocamente merecia o Oscar. Ebert celebrou a “perfeição” de seu duelo na tela com John Malkovich, seus “diálogos arqueados juntos se transformando em exaustivos jogos de conversação, partidas de tênis da alma”. Décadas depois, seu papel como Joan Castleman em A Esposa (2018) – uma mulher confrontando uma vida inteira de concessões feitas por seu célebre marido – trouxe-lhe uma sétima indicação para Melhor Atriz e uma série de outros prêmios importantes, incluindo um Globo de Ouro, um SAG Award e um Critics’ Choice Award. Sua atuação foi saudada como “impressionante”, “silenciosa e complexa, lindamente matizada e cheia de emoção”, com o diretor Björn Runge frequentemente focando sua câmera em suas reações poderosas e silenciosas. Para muitos, este parecia o momento em que sua seca de Oscars finalmente terminaria, apenas para Olivia Colman causar uma celebrada surpresa por A Favorita.
As razões para os repetidos quase-Oscars de Close são multifacetadas. Ela consistentemente enfrentou uma concorrência incrivelmente forte, perdendo para atrizes que entregaram performances icônicas ou que definiram suas carreiras em seus respectivos anos, como Jessica Lange por Tootsie, Cher por Feitiço da Lua, Jodie Foster por Acusados, e Meryl Streep por A Dama de Ferro. Há também um debate contínuo sobre suas escolhas de carreira posteriores, com alguns comentaristas sugerindo que filmes como A Esposa e Era uma Vez um Sonho, embora lhe rendessem indicações, eram talvez “veículos conservadores” ou “isca segura para o Oscar” que não carregavam o impacto cinematográfico mais amplo de alguns de seus papéis anteriores e mais arriscados. No entanto, sua atuação em A Esposa foi inegavelmente aclamada pela crítica. Outra perspectiva postula que, embora seus filmes sejam altamente conceituados, ela pode não ter estrelado aquele “grande filme inegavelmente atemporal” em que sua derrota parecesse um choque absoluto e desafiador do consenso para o sistema.
Apesar da ausência de um Oscar competitivo, o legado de Glenn Close como “uma das grandes atrizes do nosso tempo” é indiscutível. Sua profunda influência é construída sobre sua notável versatilidade, seu “estilo de atuação imersivo” e sua capacidade única de desenterrar “um número extraordinário de camadas em um papel ou em um único momento”. A historiadora de cinema Cari Beauchamp a classifica entre as principais atrizes dos últimos 80 anos, ao lado de lendas da tela como Bette Davis e Meryl Streep, citando sua “coragem… nos papéis que escolhe e sua perseverança”. Suas oito indicações em personagens diversos – de vilãs a figuras maternas, aristocratas de época a mulheres contemporâneas – ressaltam uma extraordinária consistência e alcance que a Academia de fato reconhece repetidamente. Essa mesma consistência, paradoxalmente, pode contribuir para a narrativa; a Academia reconhece seu brilhantismo vez após vez, mas a alquimia específica de impacto do papel, prestígio do filme, força da concorrência e a “narrativa do Oscar” prevalecente necessária para uma vitória lhe escapou. Cada derrota foi muitas vezes para uma atriz vivendo um momento definidor na carreira ou em um filme com um impulso avassalador, destacando que uma vitória no Oscar frequentemente envolve mais do que apenas a qualidade singular de uma atuação; trata-se daquela atuação ressoando de uma maneira muito específica dentro do contexto competitivo e cultural daquele ano em particular.
2. Amy Adams: A Indicada Seis Vezes com Charme Versátil
Amy Adams construiu uma carreira notável e multifacetada, ganhando inicialmente amplo reconhecimento por seus “retratos aclamados pela crítica de personagens ingênuas e charmosas” em filmes como o sucesso independente Retratos de Família (2005) e o musical da Disney Encantada (2007). No entanto, seu impressionante alcance rapidamente se tornou aparente, à medida que ela mergulhava em território dramático complexo com atuações poderosas em Dúvida (2008), O Mestre (2012), Trapaça (2013) e Vice (2018). Sua filmografia exibe uma capacidade de incorporar diversos arquétipos, de uma princesa da Disney de olhos arregalados a uma “vigarista sedutora”.
Essa versatilidade e excelência consistente levaram a seis indicações ao Oscar sem vitória, uma estatística que levou a Entertainment Weekly a descrevê-la como “uma espécie de garota-propaganda para esta causa”. Suas indicações abrangem tanto as categorias de coadjuvante quanto de principal: cinco para Melhor Atriz Coadjuvante por Retratos de Família (2005), Dúvida (2008), O Vencedor (2010), O Mestre (2012) e Vice (2018), e uma para Melhor Atriz por Trapaça (2013). Esse recorde a coloca em companhia estimada, empatando-a com as lendas da tela Deborah Kerr e Thelma Ritter como a segunda atriz mais indicada sem vitória, uma distinção superada apenas por Glenn Close.
O papel de destaque de Adams como a efervescente e falante Ashley Johnsten em Retratos de Família (2005) sinalizou imediatamente sua chegada como um grande talento, rendendo-lhe sua primeira indicação ao Oscar e considerável atenção da crítica. Os críticos celebraram sua atuação “reveladora e comovente”, observando que ela “irradia tanta alegria, mesmo diante da tragédia”, e habilmente evitou reduzir Ashley a uma mera caricatura. O filme em si foi elogiado como uma “fatia de vida agudamente observada”. Sua interpretação da inocente e impressionável Irmã James em Dúvida (2008) garantiu sua segunda indicação, com os críticos elogiando seu comportamento “doce e inocente” e a maneira como seus olhos transmitiam a ingenuidade e o conflito interno de sua personagem.
Demonstrando seu alcance, Adams atuou contra o tipo como a durona e esperta Charlene Fleming em O Vencedor (2010), ganhando sua terceira indicação ao Oscar. Os críticos observaram que ela trouxe “magnetismo” ao papel, “mergulhando de cabeça no material” para entregar uma performance que equilibrava habilmente “vulnerabilidade e dureza”. Roger Ebert elogiou sua interpretação “lúcida” de uma mulher que possuía uma “forte vontade”. Sua primeira indicação para Melhor Atriz veio por seu papel como a vigarista Sydney Prosser em Trapaça (2013) de David O. Russell, um filme de elenco que obteve aclamação generalizada da crítica. Adams foi elogiada por transmitir “vulnerabilidade profundamente enraizada escondida dentro de uma empresária perspicaz” através de uma “interpretação sensual e cerebralmente emocional”. Uma atuação que, embora não lhe tenha rendido uma indicação ao Oscar, é frequentemente citada como uma de suas melhores e uma significativa esnobada pela Academia, foi seu papel como a linguista Dra. Louise Banks em A Chegada (2016). A Sight and Sound elogiou-a por transmitir “inteligência nata sem cair na caricatura de ‘crânio'”, e ela foi amplamente vista como o “centro emocional de um filme que parecia um forte candidato a Melhor Filme”. Mais recentemente, sua transformadora atuação como Lynne Cheney em Vice (2018) trouxe outra indicação para Melhor Atriz Coadjuvante, com os críticos notando a forte química entre ela e Christian Bale.
A jornada de Adams no Oscar a viu perder consistentemente para concorrentes formidáveis, incluindo Rachel Weisz (O Jardineiro Fiel), Penélope Cruz (Vicky Cristina Barcelona), sua colega de elenco em O Vencedor, Melissa Leo, Anne Hathaway (Os Miseráveis), Regina King (Se a Rua Beale Falasse) e Cate Blanchett (Blue Jasmine). A omissão por A Chegada permanece um ponto de discussão particularmente intrigante, especialmente dadas as outras oito indicações do filme, incluindo Melhor Filme e Melhor Diretor. Este caso ressalta que mesmo uma atuação principal, aclamada pela crítica em um filme altamente celebrado, não garante uma indicação de atuação, apontando para a natureza às vezes imprevisível das escolhas da Academia.
Apesar da falta de uma vitória no Oscar, Amy Adams é amplamente considerada “uma das nossas melhores atrizes em atividade”. Sua filmografia é um testemunho de seu impressionante alcance e sua capacidade consistente de entregar performances memoráveis e aclamadas pela crítica em um amplo espectro de gêneros. O padrão de suas indicações, predominantemente na categoria de coadjuvante, muitas vezes a colocou em elencos fortes onde seu trabalho de destaque fazia parte de um sucesso coletivo maior. Isso pode ter contribuído para que ela fosse reconhecida, mas não vencesse contra intérpretes em papéis que talvez fossem mais centrais ou “vistosos” naqueles anos específicos. Sua única indicação para Melhor Atriz enfrentou uma performance vencedora dominante de Cate Blanchett. A esnobada por A Chegada complica ainda mais essa narrativa, sugerindo que fatores além do puro mérito ou da centralidade do papel podem influenciar o processo de indicação. A presença consistente de Adams nas conversas sobre o Oscar, no entanto, solidifica seu status como uma atriz cujo talento é repetida e merecidamente reconhecido por seus pares.
3. Edward Norton: O Camaleão Intenso
Edward Norton surgiu na cena cinematográfica com uma intensidade avassaladora e uma abordagem intransigente ao seu ofício que imediatamente o destacaram. Desde seus primeiros papéis, ele demonstrou preferência por projetos artisticamente desafiadores em detrimento de empreendimentos puramente comerciais, uma característica que definiu grande parte de sua carreira. Além de atuar, Norton também se aventurou na direção e produção, estabelecendo a Class 5 Films. Suas atuações são frequentemente marcadas por um “fascínio pela dualidade”, e ele é conhecido por uma impressionante capacidade de transformação, raramente interpretando o mesmo tipo de personagem duas vezes.
O impacto de Norton foi tão imediato que ele obteve indicações ao Oscar por seus primeiros papéis importantes. Seu histórico no Oscar inclui quatro indicações: Melhor Ator Coadjuvante por sua estreia explosiva em As Duas Faces de um Crime (1996), por seu papel complexo em Birdman ou (A Inesperada Virtude da Ignorância) (2014), e uma indicação projetada para A Complete Unknown (para a cerimônia de 2025, com base em informações do início de 2025). Sua única indicação para Melhor Ator veio por sua inesquecível atuação em A Outra História Americana (1998).
A estreia de Norton no cinema em As Duas Faces de um Crime como Aaron Stampler, um coroinha aparentemente inocente acusado de um assassinato brutal, foi nada menos que eletrizante. O papel, que famosamente exibiu uma impressionante mudança de personalidade, rendeu-lhe aclamação imediata da crítica, um Globo de Ouro e sua primeira indicação ao Oscar. Roger Ebert elogiou a interpretação “completamente convincente” de Norton, que brincou com maestria com as profundezas ocultas do personagem. Essa estreia foi tão poderosa que “lançou as bases para toda a sua carreira”. Ele seguiu com outra atuação de mestre em A Outra História Americana, recebendo uma indicação para Melhor Ator por sua perturbadora e poderosa representação de Derek Vinyard, um carismático líder neonazista que passa por uma dolorosa reforma. A revista Empire a saudou como uma “atuação imponente que estabelece Edward Norton como o ator de personagem mais promissor de sua geração”, elogiando sua capacidade de reter um “pingo de humanidade” mesmo dentro de um personagem tão monstruoso. Norton teria se envolvido profundamente na formatação do corte final do filme, um ponto de alguma controvérsia, mas também indicativo de seu comprometimento. Anos depois, ele ganhou sua terceira indicação ao Oscar por Birdman, interpretando Mike Shiner, um talentoso, mas volátil ator de método da Broadway, cuja arrogância entra em conflito com o personagem de Michael Keaton, simbolizando a tensão entre a celebridade de Hollywood e a integridade artística teatral.
Apesar dessas atuações altamente aclamadas e indicadas, Norton ainda não levou um Oscar para casa. Ele consistentemente perdeu para atores que entregaram performances excepcionalmente fortes e memoráveis em seus respectivos anos: Cuba Gooding Jr. por Jerry Maguire: A Grande Virada, Roberto Benigni por seu amado papel em A Vida é Bela, e J.K. Simmons por sua aterrorizante atuação em Whiplash: Em Busca da Perfeição. Além da forte concorrência, houve persistentes boatos e relatos da indústria sobre Norton ser “difícil de trabalhar” ou buscar um alto grau de controle criativo sobre os projetos, exemplificado pelos debates em torno de sua influência nas edições finais de A Outra História Americana e disputas relatadas durante a produção de O Incrível Hulk. Embora sua contribuição artística possa ter, em alguns casos, aprimorado o produto final (como alguns argumentam para A Outra História Americana), tal reputação, seja totalmente justa ou não, pode influenciar sutilmente os relacionamentos da indústria e, por extensão, as perspectivas de prêmios em uma comunidade que valoriza a colaboração.
O legado de Edward Norton, no entanto, está firmemente estabelecido. Aclamado desde sua estreia como um “jovem ator enormemente talentoso”, ele é respeitado por suas habilidades transformadoras, sua qualidade única de “homem comum” que pode se transformar perfeitamente em intensidade ameaçadora, e sua abordagem inteligente e muitas vezes meticulosa ao desenvolvimento de personagens. Seu trabalho de roteiro não creditado em filmes como Frida ressalta ainda mais suas contribuições artísticas mais amplas. A carreira de Norton começou com papéis tão explosivos e aclamados pela crítica que ele foi imediatamente identificado como um grande talento. Embora sua carreira subsequente tenha permanecido forte e variada, a confluência particular de um papel transformador, um filme amplamente aclamado e um campo competitivo favorável necessário para uma vitória no Oscar, até agora, lhe escapou. Sua intensidade artística é sua marca registrada, mas em uma indústria onde a colaboração e a narrativa muitas vezes desempenham papéis cruciais no sucesso dos prêmios, essa mesma intensidade pode ser um fator complexo em sua jornada no Oscar.
4. Ralph Fiennes: O Mestre da Nuance e da Ameaça
Ralph Fiennes é amplamente celebrado como “um dos atores mais populares e aclamados da Grã-Bretanha”, um intérprete distinguido por sua “presença imponente e atuações intensas”. Sua carreira é um testemunho de sua “pura versatilidade”, enquanto ele navega com facilidade entre interpretar vilões aterrorizantes como o comandante nazista Amon Göth em A Lista de Schindler e o nefasto Lord Voldemort na série Harry Potter, e incorporar personagens encantadoramente excêntricos como M. Gustave em O Grande Hotel Budapeste, e até mesmo emprestar sua voz a figuras animadas como Alfred Pennyworth em LEGO Batman: O Filme.
Fiennes obteve três indicações ao Oscar ao longo de sua carreira (com a terceira sendo uma projeção para 2025 com base em informações do início de 2025 nos materiais fornecidos). Sua primeira veio para Melhor Ator Coadjuvante por A Lista de Schindler (1993). Ele recebeu sua primeira indicação para Melhor Ator por O Paciente Inglês (1996), e outra indicação para Melhor Ator é antecipada por seu papel em Conclave (um filme de 2024, com a indicação projetada para o Oscar de 2025).
Seu papel de destaque internacional como Amon Göth em A Lista de Schindler de Steven Spielberg foi uma interpretação arrepiante e inesquecível que lhe rendeu um BAFTA Award e sua primeira indicação ao Oscar. O próprio Spielberg ficou profundamente impressionado com o teste de Fiennes, lembrando que viu “maldade sexual” e uma capacidade aterrorizante de mudar instantaneamente de “momentos de bondade” que “gelariam o sangue”. Fiennes falou sobre o peso psicológico de habitar um personagem tão sombrio, admitindo que se sentiu “ligeiramente maculado por isso” depois de “investigar um comportamento tão negativo tão intensamente”. Seu Göth é amplamente considerado um dos antagonistas mais perturbadores do cinema moderno, um “símbolo senciente de uma mentalidade e ideologia” cujo mal é ainda mais aterrorizante porque está enraizado na realidade histórica.
Em seguida, Fiennes recebeu sua segunda indicação ao Oscar, desta vez para Melhor Ator, por sua interpretação do sombrio Conde László Almásy no épico romântico arrebatador O Paciente Inglês. O filme foi um grande sucesso no Oscar, e Fiennes foi elogiado como sendo “perfeitamente escalado” para o papel principal. Embora sua atuação como o extravagante concierge M. Gustave H. em O Grande Hotel Budapeste (2014) de Wes Anderson não lhe tenha rendido uma indicação ao Oscar, é frequentemente citada por críticos e público como um destaque da carreira, uma demonstração magistral de sagacidade, charme e timing cômico impecável que muitos sentiram ser merecedora do reconhecimento da Academia. Mais recentemente, seu papel como Cardeal Thomas Lawrence em Conclave (2024), um personagem definido pela contenção e autoridade silenciosa navegando em uma eleição papal, lhe rendeu aclamação da crítica e uma terceira indicação projetada ao Oscar. Sua atuação é elogiada por sua profunda sutileza, onde ele “deixa seu silêncio falar” e transmite imensa profundidade emocional através de “cada olhar, cada respiração hesitante, cada lampejo de dúvida”.
Apesar dessas atuações poderosas e aclamadas, Fiennes ainda não ganhou um Oscar. Por A Lista de Schindler, ele perdeu Melhor Ator Coadjuvante para Tommy Lee Jones por O Fugitivo. Vários fatores foram citados para esse resultado, incluindo a possibilidade de Jones receber um “Oscar de consolação” por uma esnobada anterior percebida por JFK – A Pergunta Que Não Quer Calar, o apreço da indústria pelas contribuições significativas de Jones para moldar o roteiro de O Fugitivo e sua liderança no set, Fiennes ser um relativo novato na época interpretando um personagem totalmente monstruoso, e a própria admissão de Fiennes de que ele “nunca fez campanha por nenhum prêmio”. Por O Paciente Inglês, ele perdeu Melhor Ator para Geoffrey Rush por Shine: Brilhante. A própria sutileza que define sua aclamada atuação em Conclave é agora vista por alguns analistas como uma potencial desvantagem na corrida para Melhor Ator, já que a Academia muitas vezes favorece “atuações muito maiores e mais vistosas”.
O legado duradouro de Ralph Fiennes é construído sobre sua notável capacidade de “se encaixar em qualquer papel, seja drama, comédia, ação ou animação”, solidificando sua reputação como “um dos melhores atores do nosso tempo”. Seus papéis iniciais mais icônicos, particularmente Amon Göth, eram complexos e muitas vezes vilanescos. Embora essas atuações sejam criticamente reverenciadas, a Academia às vezes hesita em premiar atores por interpretarem figuras profundamente malévolas, especialmente no início de suas carreiras, a menos que a atuação e o filme alcancem um domínio cultural avassalador (como visto com Anthony Hopkins em O Silêncio dos Inocentes). Seu trabalho posterior, exemplificado por Conclave, exibe um extraordinário domínio da nuance e da emoção internalizada. Essa profunda sutileza, embora seja uma marca registrada da grande atuação na tela, às vezes pode ser ofuscada na corrida do Oscar por performances que são mais abertamente transformadoras ou emocionalmente demonstrativas. Isso sugere um padrão recorrente onde o tipo específico de brilhantismo de Fiennes em seus papéis indicados não se alinhou perfeitamente com as preferências predominantes da Academia naqueles anos ou categorias específicas.
5. Samuel L. Jackson: O Rei do Cool, Ainda Aguardando uma Coroa Competitiva
Samuel L. Jackson é um ícone cinematográfico, um “ator altamente prolífico, tendo aparecido em mais de 100 filmes”. Sua presença imponente, “voz profunda e autoritária” e propensão para interpretar “personagens rebeldes”, “personagens durões que xingam muito” e “personagens muito sábios e inteligentes” o tornaram um dos atores mais reconhecíveis e amados de sua geração. Ele ganhou destaque no início dos anos 1990, em grande parte por meio de suas colaborações impactantes com os diretores Spike Lee e Quentin Tarantino.
Apesar de sua extensa e aclamada filmografia, Jackson recebeu apenas uma indicação competitiva ao Oscar: Melhor Ator Coadjuvante por seu papel inesquecível em Pulp Fiction: Tempo de Violência (1994). Em 2022, a Academia reconheceu suas monumentais contribuições ao cinema com um Oscar Honorário pelo conjunto da obra.
O papel que lhe rendeu sua única indicação competitiva, Jules Winnfield em Pulp Fiction: Tempo de Violência de Quentin Tarantino, foi um fenômeno cultural que catapultou Jackson ao estrelato global. Sua interpretação do matador de aluguel filosófico e citador da Bíblia é considerada um dos “anti-heróis mais atraentes” do cinema. O monólogo eletrizante de Jules, particularmente sua recitação de uma passagem estilizada como Ezequiel 25:17, tornou-se instantaneamente icônico, misturando intimidação, espiritualidade e uma jornada de autodescoberta. Essa atuação foi um “divisor de águas” para Jackson, transformando-o em um “nome conhecido” e um talento altamente procurado para papéis dinâmicos e intensos.
Sua derrota por Pulp Fiction na categoria de Melhor Ator Coadjuvante foi para Martin Landau, que venceu por sua interpretação transformadora de Bela Lugosi em Ed Wood de Tim Burton. A decepção de Jackson foi palpável; ele foi visto visivelmente murmurando “merda” quando o nome de Landau foi anunciado. Jackson tem sido sincero sobre sua perspectiva em relação a prêmios, afirmando inequivocamente que “é uma honra vencer”, não meramente ser indicado, e ele sente que as indicações são frequentemente esquecidas pelo público. Ele também ponderou que uma cena deletada de Tempo de Matar (1996), se tivesse sido incluída no corte final, poderia ter lhe rendido um Oscar.
O legado duradouro de Samuel L. Jackson é inegável. Ele é uma figura icônica no cinema moderno, celebrado por uma infinidade de personagens memoráveis em numerosos sucessos de bilheteria e filmes aclamados pela crítica, incluindo seu papel de longa data como Nick Fury no Universo Cinematográfico Marvel e Mace Windu na trilogia prequela de Star Wars. Seus filmes arrecadaram coletivamente bilhões de dólares nas bilheterias globais. O fato de um ator tão prolífico e culturalmente significativo ter apenas uma indicação competitiva ao Oscar é, por si só, bastante surpreendente. Sua derrota por Pulp Fiction para Martin Landau, um respeitado ator veterano entregando uma notável transformação biográfica, pode refletir a preferência ocasional da Academia por tais papéis, especialmente quando confrontados com um personagem de um filme mais não convencional e que mistura gêneros. A eventual concessão de um Oscar Honorário a Jackson pode ser interpretada como o reconhecimento da Academia por suas imensas e duradouras contribuições para a arte do cinema, talvez servindo como uma forma de reconhecimento por uma vitória competitiva que muitos sentem que deveria ter sido sua.
6. Sigourney Weaver: A Rainha da Ficção Científica e Potência Dramática
Sigourney Weaver trilhou um caminho único e influente em Hollywood, renomada por seus “retratos pioneiros de heroínas de ação em blockbusters” ao lado de um corpo de trabalho convincente em filmes independentes. Sua interpretação de Ellen Ripley na franquia Alien não é apenas icônica; é amplamente “considerada uma protagonista feminina significativa na história do cinema”, alterando fundamentalmente o cenário para mulheres nos gêneros de ação e ficção científica.
O talento de Weaver foi reconhecido com três indicações ao Oscar. Ela recebeu uma indicação para Melhor Atriz por seu papel inovador em Aliens, O Resgate (1986). Em um feito notável, ela recebeu duas indicações de atuação no mesmo ano, 1988: Melhor Atriz por Nas Montanhas dos Gorilas e Melhor Atriz Coadjuvante por Uma Secretária de Futuro.
Sua atuação como Ellen Ripley em Aliens, O Resgate (1986) de James Cameron foi um momento divisor de águas, rendendo-lhe sua primeira indicação ao Oscar e marcando uma “indicação histórica para uma atriz ser considerada por um filme de ficção científica/terror”, um gênero historicamente negligenciado pela Academia nas principais categorias de atuação. Os críticos consistentemente elogiaram sua atuação. Sheila Benson do Los Angeles Times descreveu Weaver como o “núcleo incandescente” do filme, em torno de cuja “inteligência desafiadora” e “atletismo sensual” Aliens, O Resgate foi construído. Roger Ebert creditou sua interpretação forte e simpática por manter o filme coeso, enquanto Jay Scott proclamou que Weaver fazia estrelas de ação masculinas contemporâneas como Sylvester Stallone e Arnold Schwarzenegger parecerem “modelos masculinos de pin-up”. A “esnobada” do Oscar por Aliens, O Resgate ainda é sentida agudamente por muitos, com alguns argumentando que “dói ainda mais 37 anos depois”. Em Nas Montanhas dos Gorilas (1988), Weaver entregou uma interpretação convincente da apaixonada e controversa primatologista Dian Fossey, ganhando uma indicação para Melhor Atriz e um Globo de Ouro. Os críticos elogiaram seu trabalho, com Hal Hinson do The Washington Post declarando: “Finalmente, [Weaver] pode ter encontrado um papel à sua altura”, embora alguns sentissem que a caracterização na tela carecia da profundidade total da Fossey real. Ebert achou “impossível imaginar uma escolha mais apropriada para o papel”.
Apesar dessas poderosas indicações, Weaver ainda não ganhou um Oscar. Por Aliens, O Resgate, ela perdeu para Marlee Matlin por Filhos do Silêncio. Esse resultado provavelmente reflete o viés histórico da Academia contra filmes de ficção científica e terror nas categorias principais de atuação. Em 1988, um ano de indicações duplas, ela perdeu Melhor Atriz (por Nas Montanhas dos Gorilas) para Jodie Foster por Acusados, e Melhor Atriz Coadjuvante (por Uma Secretária de Futuro) para Geena Davis por O Turista Acidental. Alcançar duas indicações de atuação em um único ano é um reconhecimento extraordinário da versatilidade e impacto de um ator naquele período cinematográfico específico. No entanto, vencer em duas categorias simultaneamente é excepcionalmente raro, e ela enfrentou uma concorrência formidável em ambas as instâncias.
O legado de Sigourney Weaver como uma verdadeira pioneira para heroínas de ação femininas é indelével. Sua carreira exibe uma notável versatilidade, desde papéis definidores em blockbusters de ficção científica como Alien e Avatar até atuações memoráveis em comédias como Os Caça-Fantasmas e dramas aclamados como Tempestade de Gelo. A natureza inovadora de sua indicação por Aliens, O Resgate não pode ser subestimada; desafiou as preferências de gênero tradicionais da Academia. Sua falta de vitória por aquele papel icônico provavelmente se deve a esses vieses prevalecentes. Embora suas indicações duplas em 1988 tenham sido uma honra significativa, a forte concorrência em ambas as categorias naquele ano provou ser insuperável. No entanto, o impacto de Weaver no cinema, particularmente na redefinição das possibilidades para protagonistas femininas, permanece profundo e duradouro.
7. Willem Dafoe: O Ícone Destemido do Cinema de Arte e Vilão do Mainstream
Willem Dafoe é um ator de extraordinário alcance e intensidade, celebrado por sua “prolífica carreira interpretando diversos papéis tanto em filmes mainstream quanto de arte”. Membro fundador da companhia de teatro experimental The Wooster Group, Dafoe traz uma sensibilidade única, muitas vezes ousada, para suas atuações. Sua filmografia é um testemunho de suas escolhas artísticas destemidas e sua capacidade de habitar personagens em todos os pontos do espectro moral.
Dafoe foi indicado ao Oscar quatro vezes, consistentemente reconhecido por seu trabalho transformador e convincente. Suas indicações são: Melhor Ator Coadjuvante por Platoon (1986), A Sombra do Vampiro (2000) e Projeto Flórida (2017); e Melhor Ator por No Portal da Eternidade (2018).
Seu papel de destaque como o sargento compassivo e moralmente centrado Elias Grodin no épico da Guerra do Vietnã de Oliver Stone, Platoon (1986), rendeu-lhe sua primeira indicação ao Oscar e ampla aclamação da crítica. O personagem de Elias, particularmente sua icônica cena de morte, permanece gravado na memória cinematográfica. Elias é frequentemente analisado como uma figura de “integridade moral” e, em algumas interpretações, como incorporando traços “femininos” de sensualidade, emoção e cuidado dentro do contexto hipermasculino do filme de guerra. Em A Sombra do Vampiro (2000), Dafoe entregou uma atuação hipnotizante e aclamada pela crítica como Max Schreck, um ator interpretando o Conde Orlok que pode ou não ser um vampiro real, ganhando sua segunda indicação ao Oscar. Roger Ebert observou que Dafoe “incorpora o Schreck de Nosferatu tão estranhamente que quando cenas reais do clássico silencioso são inseridas no quadro, não notamos diferença”.
Seu papel coadjuvante como Bobby Hicks, o gerente de motel bondoso, porém cansado, em Projeto Flórida (2017) de Sean Baker, foi universalmente elogiado e lhe trouxe sua terceira indicação ao Oscar, com muitos considerando-a sua “mais próxima de vencer”. O Bobby de Dafoe serve como a “única influência estável e sã” em um mundo de desespero, imbuído de uma “bondade latente”. Subsequentemente, ele recebeu uma indicação para Melhor Ator por sua profunda interpretação de Vincent van Gogh em No Portal da Eternidade (2018) de Julian Schnabel. Kenneth Turan do Los Angeles Times escreveu que o trabalho de Dafoe “parece além da atuação convencional, usando intuição e técnica para mergulhar profundamente no personagem”. O Yahoo Entertainment o descreveu como um “Van Gogh inspirado na Obra-Prima Impressionista de Julian Schnabel”, uma atuação que faz a já estimável filmografia de Dafoe parecer “mais completa e essencial”.
Apesar dessas atuações poderosas e variadas indicadas, Dafoe ainda não ganhou um Oscar. Ele perdeu para Michael Caine (Hannah e Suas Irmãs), Benicio Del Toro (Traffic: Ninguém Sai Limpo), Sam Rockwell (Três Anúncios Para um Crime) e Rami Malek (Bohemian Rhapsody). Dafoe frequentemente escolhe papéis ousados e não convencionais em filmes independentes e de arte. Embora essas escolhas muitas vezes levem à aclamação da crítica e mostrem seu incrível alcance, elas nem sempre se alinham com os gostos da Academia mainstream ou podem enfrentar forte concorrência de performances mais tradicionais de “isca para o Oscar” em um determinado ano. Um comentarista do Reddit chegou a sugerir que Dafoe não “joga o jogo” da politicagem do Oscar, o que às vezes pode ser um fator nos resultados dos prêmios.
O legado de Willem Dafoe é o de um nome conhecido cuja carreira está repleta de “atuações dignas de prêmios que nunca viram o devido reconhecimento” da Academia na forma de uma vitória. Seu notável alcance é evidente em sua capacidade de interpretar figuras tão díspares quanto Jesus em A Última Tentação de Cristo de Martin Scorsese e o maníaco Duende Verde em Homem-Aranha de Sam Raimi. Em 2020, o The New York Times o classificou entre os 25 Maiores Atores do Século 21, um testemunho de seu impacto duradouro. A carreira de Dafoe é uma fascinante mistura de intensas explorações de arte e memoráveis caracterizações mainstream. Suas indicações ao Oscar refletem essa abordagem eclética. Suas derrotas ocorreram frequentemente quando ele enfrentou atores em papéis dramáticos mais tradicionais ou cinebiografias que a Academia frequentemente favorece, ou contra atores vivenciando um “momento Oscar” significativo. Seu compromisso inabalável com papéis desafiadores, às vezes perturbadores, é, sem dúvida, sua força artística, mas esse mesmo compromisso também pode torná-lo um candidato mais complexo para uma vitória no Oscar, que muitas vezes requer um apelo de consenso mais amplo ou uma “narrativa” particularmente forte dentro da temporada de premiações.
8. Annette Bening: A Brilhante e Consistente Protagonista
A carreira de Annette Bening, que abrange mais de quatro décadas, é distinguida por seu “trabalho versátil na tela e no palco”. Seu legado cinematográfico é construído sobre “excepcional proeza de atuação e compromisso inabalável com seu ofício”, entregando consistentemente performances matizadas que ressoam profundamente com o público. Tendo aprimorado suas habilidades no teatro, uma base evidente na veracidade de suas interpretações, Bening fez a transição para o cinema com notável sucesso.
Bening foi indicada ao Oscar cinco vezes sem garantir uma vitória, um testemunho de sua excelência sustentada e do reconhecimento consistente de seu talento pela Academia. Suas indicações incluem uma para Melhor Atriz Coadjuvante por Os Imorais (1990), e quatro para Melhor Atriz: Beleza Americana (1999), Adorável Júlia (2004), Minhas Mães e Meu Pai (2010), e mais recentemente, Nyad (2023).
Seu papel de destaque no cinema como a sedutora vigarista Myra Langtry no neo-noir de Stephen Frears, Os Imorais (1990), rendeu a Bening sua primeira indicação ao Oscar e ampla atenção da crítica. Roger Ebert notou sua cativante “combinação de sensualidade, perigo e vulnerabilidade”, reminiscente de atrizes clássicas do film noir como Gloria Grahame. Embora talvez não tão experiente quanto seus colegas de elenco Anjelica Huston e John Cusack na época, ela exibiu “talento crescente” e imbuiu um personagem potencialmente superficial com considerável profundidade. Sua atuação na estreia diretorial de Sam Mendes, Beleza Americana (1999), como a materialista e desmoronada Carolyn Burnham, rendeu-lhe um BAFTA Award, um SAG Award e sua primeira indicação ao Oscar de Melhor Atriz. Os críticos elogiaram sua capacidade de fundir comédia e drama, criando uma personagem que, apesar de suas falhas, provocava simpatia; ela era o “oposto perfeito do personagem de Kevin Spacey”.
Bening ganhou um Globo de Ouro por sua interpretação da vivaz diva do palco Julia Lambert em Adorável Júlia (2004). A.O. Scott do The New York Times elogiou seu “charme rápido e espirituoso” e “efervescência vertiginosa e imprudente”, enquanto Roger Ebert reconheceu que ela interpretou Julia com “grande entusiasmo e energia”, mesmo que o filme em si fosse um “melodrama enfadonho”. Outro Globo de Ouro veio por seu papel como Nic, uma mãe lésbica navegando por dinâmicas familiares complexas, em Minhas Mães e Meu Pai (2010). O filme recebeu ampla aclamação, com a atuação de Bening, em particular, ganhando elogios generalizados. Sua indicação mais recente por Nyad (2023), onde interpretou a determinada nadadora de longa distância Diana Nyad, foi descrita por alguns como “impressionante, se estoica”, embora outros tenham achado o filme em si decepcionante e a atuação de Bening “mediana” quando não retratava as exigências físicas da natação.
A jornada de Bening no Oscar a viu perder para Whoopi Goldberg (Ghost: Do Outro Lado da Vida), Hilary Swank (duas vezes, por Meninos Não Choram e Menina de Ouro), Natalie Portman (Cisne Negro) e Emma Stone (Pobres Criaturas). A narrativa de que ela estava “devendo” um Oscar ganhou força particularmente após suas duas derrotas para Hilary Swank. No entanto, algumas análises sugerem que sua atuação em Adorável Júlia, por exemplo, foi “pouco adequada” e sortuda por ser indicada, especialmente quando comparada à poderosa atuação de Swank em Menina de Ouro. Argumenta-se que, embora as atuações de Bening sejam consistentemente fortes, às vezes lhes faltava o “fator X” definitivo dos papéis vencedores do Oscar ou enfrentavam atuações icônicas e transformadoras de suas concorrentes (como Goldberg em Ghost ou a primeira vitória de Swank em Meninos Não Choram).
O legado duradouro de Annette Bening é o de uma atriz altamente respeitada, conhecida por sua capacidade consistente de se conectar com o público em um nível emocional, sua sutileza e sua honestidade intelectual. Ela manteve uma vida relativamente privada, priorizando seu ofício sobre as armadilhas da celebridade. Sua carreira é marcada por aclamação crítica consistente e indicações por interpretar personagens femininas complexas. Suas derrotas, especialmente as duas para Hilary Swank, alimentaram uma narrativa de “atraso”. No entanto, um olhar mais atento sugere que, naqueles anos específicos, os papéis altamente transformadores e fisicamente exigentes de Swank tiveram um impacto de “momento Oscar” mais significativo. A força de Bening reside em retratos matizados, muitas vezes internamente complexos, que, embora profundamente apreciados por críticos e colegas (como evidenciado por suas numerosas indicações), podem às vezes ser ofuscados por performances mais abertamente dramáticas ou fisicamente transformadoras que a Academia frequentemente recompensa na categoria de Melhor Atriz.
9. Michelle Williams: A Mestra da Intensidade Silenciosa
Michelle Williams se destacou como uma atriz de profunda profundidade e versatilidade, renomada por seus papéis convincentes tanto no cinema quanto na televisão e por frequentemente escolher “projetos que desafiam as normas sociais”. Sua jornada do popular drama adolescente Dawson’s Creek para se tornar uma atriz de cinema consistentemente aclamada pela crítica é um testemunho de sua dedicação e talento em evolução.
Williams obteve cinco indicações ao Oscar, mostrando seu notável alcance: Melhor Atriz Coadjuvante por O Segredo de Brokeback Mountain (2005) e Manchester à Beira-Mar (2016); e Melhor Atriz por Namorados Para Sempre (2010), Sete Dias com Marilyn (2011) e Os Fabelmans (2022).
Seu papel como Alma Beers Del Mar, a esposa que sofre silenciosamente no inovador O Segredo de Brokeback Mountain (2005) de Ang Lee, rendeu a Williams sua primeira indicação ao Oscar e amplo reconhecimento da crítica. Sua atuação foi notada como “significativamente mais forte” do que a de Anne Hathaway (que interpretou a esposa do outro protagonista), enquanto Alma lida com a verdade devastadora do amor oculto de seu marido. A própria Williams permanece perplexa com a controversa derrota de O Segredo de Brokeback Mountain para Melhor Filme para Crash: No Limite, um sentimento compartilhado por muitos que consideram uma injustiça significativa do Oscar. Por Namorados Para Sempre (2010), Williams recebeu uma indicação para Melhor Atriz por sua interpretação crua e emocionalmente ressonante de Cindy em um casamento em desintegração. Descrita como uma “atriz crua e transparente”, suas emoções no filme pareciam “sísmicas mesmo quando seu rosto está parado”. Ela e o colega de elenco Ryan Gosling foram elogiados por exibir “emoção nua na tela”.
Sua interpretação transformadora de Marilyn Monroe em Sete Dias com Marilyn (2011) rendeu-lhe um Globo de Ouro e outra indicação ao Oscar de Melhor Atriz. Os críticos consideraram sua atuação “bastante notável”, com um crítico afirmando que Williams era “tão convincente na aparência e nos maneirismos como Marilyn que eu não achava que estava olhando para Michelle Williams”. Ela foi novamente indicada para Melhor Atriz Coadjuvante por seu breve, mas poderoso papel como Randi Chandler em Manchester à Beira-Mar (2016). Embora seu tempo de tela fosse limitado, sua atuação foi descrita como um “tesouro a ser contemplado”, com uma cena de confronto crucial com Casey Affleck considerada singularmente “digna de Oscar”. Mais recentemente, ela recebeu uma indicação para Melhor Atriz por interpretar Mitzi Fabelman, uma personagem baseada na própria mãe de Steven Spielberg, em Os Fabelmans (2022). Embora alguns críticos tenham achado sua atuação “exagerada”, argumentou-se que ela capturou com precisão a excentricidade única da Leah Adler real, como evidenciado por imagens de arquivo da própria Adler.
A jornada de Williams no Oscar a viu perder para Rachel Weisz (O Jardineiro Fiel), Natalie Portman (Cisne Negro), Meryl Streep (A Dama de Ferro), Viola Davis (Um Limite Entre Nós) e Michelle Yeoh (Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo). Todas essas foram atuações altamente aclamadas, muitas vezes dominantes em seus respectivos anos. Williams frequentemente se destaca em papéis que exigem profunda profundidade emocional e sutileza, muitas vezes retratando personagens lidando com luto, relacionamentos complexos ou intensa turbulência interna. Embora consistentemente ganhe indicações por essas atuações poderosas e matizadas, ela frequentemente enfrentou vencedoras que tinham papéis altamente visíveis e transformadores ou faziam parte de contendores “arrasadores” para Melhor Filme. Sua notável capacidade de desaparecer em personagens, como fez com Marilyn Monroe, é uma marca registrada de seu talento. No entanto, a própria sutileza e intensidade silenciosa que tornam suas atuações tão aclamadas pela crítica podem torná-las menos “barulhentas” ou abertamente “teatrais” em um campo competitivo do Oscar que às vezes favorece exibições mais demonstrativas de atuação.
O legado de Michelle Williams é o de uma das atrizes mais respeitadas de sua geração, admirada por seu talento, dedicação e pela profunda profundidade que ela traz a cada personagem. Sua defesa da justiça social e da igualdade de gênero aumenta ainda mais seu impacto além da tela. Seu consistente reconhecimento no Oscar por papéis que exigem um trabalho emocional tão matizado diz muito sobre sua habilidade, mesmo que o prêmio máximo tenha permanecido elusivo contra uma concorrência formidável.
10. Sir Ian McKellen: O Cavaleiro Teatral do Palco e da Tela
Sir Ian McKellen é “amplamente considerado um dos maiores atores de palco e tela” de sua geração, um intérprete versátil aclamado por seu domínio de personagens que vão do cânone shakespeariano a figuras contemporâneas. Cofundador da influente Actors’ Company e proeminente ativista dos direitos LGBTQIA+, McKellen foi nomeado cavaleiro em 1991 por seus serviços às artes cênicas. Sua carreira é um testemunho imponente de dedicação tanto no teatro quanto no cinema.
McKellen recebeu duas indicações ao Oscar: Melhor Ator por sua interpretação do diretor de cinema James Whale em Deuses e Monstros (1998), e Melhor Ator Coadjuvante por seu papel icônico como Gandalf, o Cinzento, em O Senhor dos Anéis: A Sociedade do Anel (2001).
Sua atuação como o envelhecido e assombrado diretor de cinema James Whale em Deuses e Monstros (1998) rendeu-lhe sua primeira indicação ao Oscar e uma indicação ao Globo de Ouro. Os críticos saudaram seu trabalho, com James Berardinelli afirmando que McKellen “reconfirma por que muitos o consideram o melhor ator shakespeariano de sua geração”, trazendo Whale à vida com “uma poderosa combinação de energia e incerteza”. O filme em si foi descrito como um “filme extraordinariamente gracioso sobre desejo, envelhecimento e…”, oferecendo um olhar ficcionalizado e comovente sobre os últimos dias de Whale, explorando uma amizade improvável e as sombras persistentes do passado. A segunda indicação de McKellen veio por sua interpretação globalmente reconhecida do sábio mago Gandalf no épico de Peter Jackson, O Senhor dos Anéis: A Sociedade do Anel (2001). Sua atuação foi elogiada como “positivamente Merlinesca”, e ele foi louvado por incorporar o mago com imensa credibilidade, dando a Gandalf um “ar de cordialidade de avô, que poderia transitar impecavelmente para um poder avassalador”.
Apesar dessas atuações altamente aclamadas, Sir Ian ainda não ganhou um Oscar. Ele perdeu Melhor Ator por Deuses e Monstros para Roberto Benigni por seu papel intensamente emocional e amplamente amado em A Vida é Bela. Por O Senhor dos Anéis, ele perdeu Melhor Ator Coadjuvante para Jim Broadbent por sua comovente interpretação em Iris. Em ambas as instâncias, a concorrência foi excepcionalmente forte. A vitória de Benigni fez parte de um momento internacional significativo para A Vida é Bela, um filme que capturou o sentimento global. Jim Broadbent era um ator veterano altamente respeitado entregando uma atuação tocante em um drama tradicional.
O legado de Sir Ian McKellen é monumental, cimentado por seu status lendário no teatro (onde ganhou múltiplos prêmios Olivier e Tony) e seus papéis icônicos em grandes franquias cinematográficas, mais notavelmente como Gandalf em O Senhor dos Anéis e Magneto na série X-Men. Sua contribuição para a cultura popular através desses papéis é imensa e inegável. As indicações de McKellen ao Oscar vieram por papéis que brilhantemente mostraram seu treinamento clássico e sua profunda capacidade de incorporar figuras históricas e literárias complexas. Suas derrotas foram para atores que entregaram performances altamente emocionais ou tradicionalmente dramáticas que ressoaram fortemente com os votantes da Academia naqueles anos específicos. Há também uma tendência histórica da Academia de, às vezes, negligenciar performances em filmes de fantasia para os principais prêmios de atuação, apesar do sucesso crítico e comercial geral dos filmes, a menos que a performance seja esmagadoramente dominante ou carregue uma narrativa de temporada de premiações particularmente convincente. O impacto duradouro de McKellen, no entanto, transcende qualquer prêmio individual.
Por Que o Ouro Escapa de Alguns Grandes Nomes
A jornada para uma vitória no Oscar é muitas vezes mais complexa do que simplesmente entregar uma atuação brilhante. Várias correntes subterrâneas e dinâmicas da indústria podem influenciar por que alguns dos atores mais talentosos se encontram repetidamente indicados, mas, no final, não coroados.
O Fator “Narrativa” e a Campanha: Os Academy Awards não são decididos no vácuo; eles são influenciados por narrativas que se constroem ao longo da temporada de premiações. Fatores como um ator estar “na hora” de ganhar, uma “história de retorno” ou mesmo um “Oscar de consolação” para compensar esnobadas passadas percebidas podem desempenhar um papel significativo em influenciar os votantes. A campanha ativa por estúdios e indivíduos também é um elemento crucial. Alguns atores, como Ralph Fiennes, admitiram abertamente não se envolver em campanhas vigorosas. Por outro lado, Samuel L. Jackson tem sido franco sobre sua crença de que a honra reside em vencer, não apenas em ser indicado, refletindo um entendimento da natureza competitiva dos prêmios. Os Oscars, portanto, não são apenas um julgamento do mérito na tela, mas também um reflexo de quão eficazmente uma atuação e um ator são “vendidos” para a Academia. Uma “história de Oscar” convincente pode, às vezes, dar uma vantagem a um indicado sobre outro, independentemente do talento bruto exibido.
Concorrência Forte e “Timing Ruim”: Talvez a razão mais direta para muitos quase-acertos seja a pura força da concorrência em um determinado ano. Muitos dos atores desta lista se viram competindo contra performances icônicas, únicas em uma geração, ou em anos em que as categorias de atuação estavam excepcionalmente lotadas de trabalhos excepcionais. Um exemplo clássico é a performance imponente de Peter O’Toole em Lawrence da Arábia perdendo para o amado Atticus Finch de Gregory Peck em O Sol é Para Todos — a quinta e última indicação de Peck, que culminou em uma vitória. Glenn Close e Amy Adams, por exemplo, consistentemente enfrentaram vencedores que entregaram performances poderosas ou se beneficiaram de fortes narrativas cinematográficas. Uma vitória no Oscar é, portanto, altamente contingente ao cenário competitivo específico de um ano em particular; uma performance que poderia ter triunfado em um campo menos lotado pode facilmente ser ofuscada quando múltiplos concorrentes excepcionais emergem.
Viés de Gênero e Preferências da Academia: A Academia demonstrou historicamente certas preferências quando se trata de prêmios de atuação. Papéis dramáticos têm sido tradicionalmente favorecidos em detrimento de performances em comédia, ficção científica, terror ou filmes de ação. A indicação de Sigourney Weaver para Melhor Atriz pelo filme de ação e ficção científica Aliens, O Resgate foi uma conquista marcante, desafiando essas normas, mas não resultou em vitória. A única indicação de Bill Murray por Encontros e Desencontros, um filme que mistura comédia sutil com drama, alinha-se com esse padrão de reconhecer trabalhos que misturam gêneros, mas nem sempre premiá-los com o prêmio principal. Da mesma forma, as indicações de Johnny Depp frequentemente vieram por papéis mais fantásticos ou estilizados. Além disso, a Academia muitas vezes mostra uma predileção por “performances maiores e mais vistosas”, particularmente na categoria de Melhor Ator, ou papéis que envolvem transformações físicas significativas. Consequentemente, performances sutis e internalizadas, como o elogiado trabalho de Ralph Fiennes em Conclave, correm o risco de serem negligenciadas em favor de atuações mais abertamente demonstrativas. Isso sugere que o tipo de papel e o gênero do filme podem influenciar significativamente as perspectivas de Oscar de um ator, com aclamação crítica dentro de um gênero “menos prestigioso” (para prêmios de atuação) ou por uma performance sutil nem sempre se traduzindo em uma vitória no Oscar tão prontamente quanto um papel transformador em um drama tradicional de “isca para o Oscar”.
Conjunto da Obra vs. Performance Única: O processo de votação da Academia pode, às vezes, refletir um desejo de homenagear a carreira inteira de um veterano estimado com um “Oscar pelo legado” ou um “prêmio pela carreira”, em vez de focar estritamente na única performance indicada daquele ano. Isso pode significar que outro ator com uma performance particularmente merecedora naquele ano específico pode perder. Por outro lado, atores com um corpo de trabalho consistentemente forte e aclamado, como muitos nesta lista, podem se encontrar repetidamente indicados, com os votantes talvez presumindo que “eles ganharão eventualmente”. Essa difusão de urgência pode tornar mais difícil para qualquer performance única se destacar, a menos que seja esmagadoramente inegável ou se alinhe perfeitamente com uma narrativa convincente de “finalmente é a vez deles”. A decisão do Oscar, portanto, muitas vezes se torna uma complexa interação entre recompensar a “melhor” performance do ano e reconhecer uma longa e distinta contribuição para o cinema.
O “Difícil Demais Para Escolher” / Divisão de Votos: Embora nem sempre explicitamente comprovável para casos individuais, a mecânica da votação do Oscar pode levar a resultados inesperados, especialmente em anos altamente competitivos. Em categorias repletas de múltiplas performances amadas, os votos podem se dispersar. Em um sistema de votação preferencial (usado para Melhor Filme) ou um voto por pluralidade (usado para categorias de atuação), uma performance que obtém uma base de apoio forte e consolidada pode sair vitoriosa sobre várias outras performances excelentes que dividem os votos restantes. Este é um fator mais especulativo, mas permanece uma dinâmica conhecida nas corridas do Oscar, onde um campo lotado de talentos excepcionais pode, às vezes, levar a resultados surpreendentes.
Além da Estatueta
O fascínio de um Oscar permanece potente em Hollywood, um símbolo de reconhecimento dos pares e excelência cinematográfica. No entanto, como demonstram as carreiras desses dez atores extraordinários — e muitos outros como eles —, a ausência desta estatueta dourada em particular pouco diminui seu profundo impacto na arte do cinema. Suas filmografias são ricas em “trabalho exemplar”, papéis icônicos e performances que não apenas renderam aclamação da crítica e múltiplas indicações ao Oscar, mas também ressoaram profundamente com o público em todo o mundo, moldando a história do cinema de maneiras indeléveis.
Embora uma vitória no Oscar possa, sem dúvida, elevar uma carreira e fornecer um momento de validação máxima da indústria, a verdadeira medida das contribuições desses atores reside no poder duradouro de suas performances. A intensidade arrepiante de Glenn Close, o charme versátil de Amy Adams, a profundidade camaleônica de Edward Norton, a ameaça sutil de Ralph Fiennes, o cool inegável de Samuel L. Jackson, a força pioneira de Sigourney Weaver, a arte destemida de Willem Dafoe, o brilho consistente de Annette Bening, a intensidade silenciosa de Michelle Williams e a gravitas teatral de Sir Ian McKellen — essas qualidades enriqueceram o cinema muito além dos confins de qualquer cerimônia de premiação individual.
Seus legados estão seguros, construídos sobre uma base de talento excepcional, dedicação ao seu ofício e uma coleção de personagens inesquecíveis que continuam a inspirar e cativar. O Oscar pode tê-los iludido até agora, mas suas extraordinárias contribuições para o mundo do cinema são inegáveis e, sem dúvida, resistirão ao teste do tempo.
