No grande panteão do cinema moderno, poucas figuras ocupam um espaço tão singular e cuidadosamente elaborado quanto Guillermo del Toro. Ele é cineasta, autor, artista — mas, acima de tudo, é um alquimista. Por mais de três décadas, ele tem praticado uma forma única de alquimia cinematográfica, pegando o que alguns poderiam chamar de “matéria vil” — monstros, fantasmas, insetos e os adereços do terror — e transmutando-a em ouro narrativo. Seu trabalho é um testemunho de uma crença profunda e inabalável: que os monstros são os “santos padroeiros da imperfeição” e que dentro do grotesco reside uma beleza única e poética.
Sua carreira não é uma simples progressão do terror de baixo orçamento ao prestígio de Hollywood, mas um projeto consistente e de toda uma vida para construir um gabinete de curiosidades cinematográfico. Cada filme é uma nova gaveta neste gabinete, revelando um mundo meticulosamente projetado onde contos de fadas colidem com a maquinaria brutal da história, e onde os personagens mais humanos muitas vezes têm chifres, guelras ou corações de relógio. Essa visão inabalável o levou aos picos mais altos da indústria, rendendo-lhe Oscars de Melhor Diretor e Melhor Filme por um filme sobre o amor de uma mulher muda por um deus do rio, e outro de Melhor Animação por uma fábula em stop-motion sobre um menino de madeira na Itália Fascista. A jornada de Guillermo del Toro é a história de um diretor que não mudou sua visão para ganhar a aprovação de Hollywood, mas que, por pura maestria e convicção, fez com que Hollywood finalmente apreciasse a profunda e monstruosa visão que ele sempre manteve.
Uma Infância Forjada na Sombra e na Fé
A matéria-prima de toda a visão artística de del Toro foi extraída das ruas e casas de sua Guadalajara natal, no México, onde nasceu em 9 de outubro de 1964. Sua juventude foi um cadinho de influências profundas e muitas vezes contraditórias. Ele foi criado em um lar católico rigoroso e devoto, presidido por sua avó, uma mulher cuja fé era tanto uma fonte de rica iconografia quanto de um terror profundo. Ela via seu crescente fascínio pela fantasia e pelo terror não como uma centelha criativa, mas como uma doença espiritual. Desaprovando seus desenhos de monstros e demônios, ela submeteu o jovem a dois exorcismos, jogando água benta nele na tentativa de limpar sua alma. Como uma forma adicional de penitência, ela colocava tampinhas de metal em seus sapatos para que ensanguentassem seus pés, uma manifestação física e dura da culpa religiosa.
Esse catolicismo mórbido era espelhado pela realidade sem filtros da própria cidade. Del Toro falou de sua exposição precoce e repetida à morte, guardando memórias vívidas de ver cadáveres reais em necrotérios, em catacumbas de igrejas e na rua após acidentes ou atos de violência. Esse ambiente, onde o sagrado e o profano estavam em constante e visceral diálogo, moldou uma mente que não via fronteiras claras entre o real e o fantástico. Para escapar, ele se refugiou em um mundo de faz de conta, encontrando consolo não nos santos, mas nos monstros.
Seus impulsos criativos encontraram uma saída quando, por volta dos oito anos, ele começou a experimentar com a câmera Super 8 de seu pai. Seus primeiros filmes, estrelados por brinquedos de O Planeta dos Macacos e outros objetos domésticos, já estavam imbuídos de uma sensibilidade sombria e cômica. Um curta notável apresentava uma “batata serial killer” com ambições de dominação mundial, que assassinava sua família antes de ser esmagada sem cerimônia por um carro. Este trabalho inicial revela uma mente que já brincava com os tropos do terror, encontrando um poder estranho e maravilhoso no macabro. O conflito central da obra posterior de del Toro — o choque entre instituições rígidas e cruéis e o “monstro” comovente e incompreendido — foi uma exteriorização direta dessa infância. Ele não apenas rejeitou a fé de sua avó; ele se apropriou de sua pompa gótica, transferindo seu senso de admiração e terror para uma nova mitologia pessoal de sua própria criação.
O Aprendizado do Artesão: De Necropia a Cronos
A jornada de del Toro de jovem amador a cineasta profissional foi construída sobre uma base de habilidade prática. Ele se matriculou no programa de estudos de cinema na Universidade de Guadalajara, onde até publicou seu primeiro livro, uma biografia de Alfred Hitchcock. No entanto, sua educação mais crucial não veio de uma sala de aula, mas de uma oficina. Ele procurou e estudou efeitos especiais e maquiagem com o lendário Dick Smith, o artista por trás dos efeitos inovadores de O Exorcista. Essa mentoria foi transformadora. Na década seguinte, del Toro se dedicou ao ofício, trabalhando como designer de maquiagem de efeitos especiais e, eventualmente, fundando sua própria empresa em Guadalajara, a Necropia. Durante esse período, ele aprimorou suas habilidades em programas de televisão mexicanos como Hora Marcada, onde trabalhou ao lado de futuros colaboradores como Alfonso Cuarón e Emmanuel Lubezki, e co-fundou o Festival Internacional de Cinema de Guadalajara.
Essa compreensão profunda e tátil de como a magia do cinema é fisicamente esculpida, moldada e trazida à vida se tornaria a base de seu estilo de direção, instilando uma preferência de longa data por efeitos práticos que dão às suas criações fantásticas um peso tangível e visceral. Esse aprendizado intensivo culminou em sua estreia no cinema em 1993, com Cronos. O filme, financiado com um orçamento de cerca de 2 milhões de dólares que del Toro cobriu parcialmente, foi a expressão máxima de sua jornada como artesão. Foi um filme financiado e construído sobre sua expertise em efeitos práticos. Cronos conta a história de um antiquário idoso que descobre um dispositivo de 400 anos, semelhante a um inseto, que concede a vida eterna ao custo de uma sede vampírica por sangue. O filme foi uma declaração de missão totalmente formada, apresentando ao mundo os motivos característicos de del Toro: mecanismos de relógio intrincados, imagens de insetos, um monstro trágico e simpático e um poço profundo de simbolismo católico. Também marcou sua primeira colaboração com o ator Ron Perlman, que interpretou um americano brutal em busca do dispositivo.
Cronos foi uma sensação no México, varrendo os Prêmios Ariel com nove vitórias, incluindo Melhor Filme e Melhor Diretor. Em seguida, ganhou o prestigioso prêmio da Semana Internacional da Crítica no Festival de Cannes, anunciando a chegada de uma voz surpreendentemente original no cinema mundial. Nos Estados Unidos, no entanto, seu lançamento foi limitado e arrecadou meros 621.392 dólares. O filme foi um queridinho da crítica, mas uma nota de rodapé comercial, um padrão que definiria a próxima fase de sua carreira enquanto ele se aventurava no coração do sistema de Hollywood.
Prova de Fogo: A Provação de Mutação em Hollywood
Após o sucesso internacional de Cronos, del Toro fez sua primeira incursão no sistema de estúdios americano com o filme de ficção científica e terror de 1997, Mutação (Mimic), produzido pelo selo de gênero da Miramax, a Dimension Films. A experiência se provaria uma traumática prova de fogo. Ele entrou em conflito constante com os produtores Bob e Harvey Weinstein, que, segundo ele, interferiram em todos os aspectos do projeto. O estúdio questionou suas decisões sobre enredo, elenco e tom, exigindo um filme mais convencional e “assustador” do que o longa de criaturas atmosférico que del Toro imaginava. O conceito original, envolvendo insetos brancos fantasmagóricos, foi alterado para baratas mutantes gigantes, uma medida que del Toro temia que transformaria seu filme “no filme da barata gigante”.
As batalhas criativas se tornaram tão intensas que Harvey Weinstein teria invadido o set de Toronto para instruir del Toro sobre como dirigir e, mais tarde, tentou demiti-lo, um esforço que só foi frustrado pela intervenção da atriz principal, Mira Sorvino. Del Toro desde então chamou a produção de Mutação de uma das piores experiências de sua vida, uma “experiência horrível, horrível, horrível”, que ele comparou desfavoravelmente ao sequestro de seu próprio pai. Ele acabou renegando o corte lançado nos cinemas, embora mais tarde tenha conseguido lançar uma versão do diretor em 2011 que restaurou algumas de suas intenções originais. A provação quase o afastou completamente do cinema americano.
No entanto, o trauma profissional de Mutação teve um impacto profundo e duradouro em seu ofício. Em resposta ao fato de seu trabalho ser reeditado e controlado pelo estúdio, del Toro desenvolveu conscientemente um estilo de direção específico como forma de autopreservação criativa. Ele começou a filmar de uma maneira que desafiava a reedição fácil, empregando movimentos de câmera fluidos, complexos e muitas vezes longos que se entrelaçam pelo cenário. Esse estilo de “câmera flutuante”, agora celebrado como uma marca de sua arte, nasceu como uma tática de sobrevivência calculada. Era uma maneira de tornar a câmera um personagem narrativo por direito próprio, incorporando a lógica da narrativa tão profundamente na linguagem visual de uma tomada que ela não poderia ser facilmente desmontada na sala de edição. A dor de Mutação forjou as próprias ferramentas que ele usaria para construir suas futuras obras-primas.
Um Retorno às Raízes: O Gótico Espanhol de A Espinha do Diabo
Abalado por sua provação em Hollywood, del Toro fez um retiro estratégico e espiritualmente necessário. Ele voltou às suas raízes, formando sua própria produtora, The Tequila Gang, e embarcando em uma coprodução em espanhol entre Espanha e México. O resultado foi A Espinha do Diabo (2001), uma história de fantasmas gótica profundamente pessoal que serviu tanto como um rejuvenescimento criativo quanto como o projeto temático para sua obra mais celebrada.
O filme foi produzido pelo lendário diretor espanhol Pedro Almodóvar e seu irmão, Agustín, através de sua empresa El Deseo. Essa parceria provou ser o antídoto perfeito para o veneno de Mutação. A del Toro foi concedida total liberdade criativa, um conceito tão absoluto que, quando ele pediu o corte final, Pedro Almodóvar ficou genuinamente confuso, respondendo: “Mas, é claro, a decisão é sua!”. Esse ambiente protegido permitiu a del Toro redescobrir sua voz e curar as feridas de seu filme anterior. Ele ressuscitou um roteiro que havia escrito antes mesmo de Cronos, uma história ambientada em 1939, durante o último ano da Guerra Civil Espanhola. A trama segue um menino, Carlos, que é enviado para um orfanato assombrado administrado por legalistas republicanos. Lá, ele confronta não apenas o fantasma de uma criança assassinada, mas também os males muito humanos da ganância e da violência personificados pelo zelador, Jacinto. O filme mescla com maestria o terror sobrenatural com a tragédia histórica, estabelecendo a Guerra Civil Espanhola como o que del Toro mais tarde chamaria de um “motor de fantasmas” — um trauma histórico tão profundo que seus espectros continuam a assombrar o presente.
A Espinha do Diabo foi aclamado pela crítica como uma obra-prima de atmosfera e metáfora. Mais importante para del Toro, foi uma confirmação de que sua visão intransigente poderia resultar em um cinema poderoso e ressonante. Ele descreveu o filme como o “filme-irmão” de O Labirinto do Fauno, uma contraparte mais masculina à energia feminina de sua obra posterior. A realização criativa e o sucesso de crítica de A Espinha do Diabo foram a sessão de terapia artística essencial que não apenas restaurou sua confiança, mas também estabeleceu as bases temáticas e o pano de fundo histórico para a obra-prima que estava por vir.
Conquistando o Grande Público: Blade II e a Saga Hellboy
Fortalecido pelo triunfo criativo de A Espinha do Diabo, del Toro retornou a Hollywood, mas desta vez em seus próprios termos. Ele assumiu a direção da sequência de super-heróis e vampiros Blade II: O Caçador de Vampiros (2002), um projeto que lhe permitiu fundir sua estética gótica e monstruosa com a ação de alta octanagem de um blockbuster. Cansado do clichê dos “heróis vitorianos torturados” e românticos, ele estava determinado a tornar os vampiros assustadores novamente. O filme foi um sucesso retumbante, arrecadando 155 milhões de dólares e provando que suas sensibilidades únicas poderiam prosperar dentro de uma franquia de grande público. Ele trouxe seu amor característico por efeitos práticos, design intrincado de criaturas — como os aterrorizantes “Reapers” com suas mandíbulas divididas — e iluminação atmosférica e sombria para o mundo dos filmes de quadrinhos, criando o que muitos fãs consideram o ponto alto da trilogia.
Esse sucesso lhe proporcionou a influência na indústria para perseguir um projeto que ele acalentava há anos: uma adaptação da história em quadrinhos de Mike Mignola, Hellboy. A jornada para trazer o demônio de pele vermelha e língua afiada para a tela foi árdua, definida pela lealdade e integridade artística inabaláveis de del Toro. Por sete anos, ele lutou contra estúdios que hesitavam sobre o projeto e, mais significativamente, sobre sua escolha para o papel principal. Del Toro foi inflexível de que apenas um ator poderia personificar a alma do personagem: seu amigo e colaborador frequente, Ron Perlman. Ele se recusou a fazer o filme com qualquer outra pessoa, disposto a sacrificar o projeto inteiro em vez de comprometer o que ele sentia ser seu coração.
Sua persistência valeu a pena. Hellboy foi lançado em 2004, seguido pela sequência ainda mais fantástica, Hellboy II: O Exército Dourado, em 2008. Os filmes são uma vitrine vibrante das paixões de del Toro. Eles estão repletos de efeitos práticos e designs de criaturas de tirar o fôlego, muitos dos quais surgiram diretamente de seus cadernos pessoais. Ele abordou esses filmes de franquia não como um diretor de aluguel, mas com a mesma paixão de autor que trouxe para seu trabalho independente. Ele equilibrou a ação explosiva com um pathos genuíno e humor baseado nos personagens, humanizando seu herói monstruoso e sua família encontrada de “esquisitos”. Ao fazer isso, del Toro efetivamente borrou a linha entre o cinema de arte e o multiplex, demonstrando que para ele, uma história sobre um monstro simpático era um empreendimento valioso, independentemente do orçamento.
A Obra-Prima: Por Dentro de O Labirinto do Fauno
Em 2006, Guillermo del Toro lançou o filme que viria a definir sua carreira e a cimentar seu status como um dos mais importantes visionários do cinema mundial: O Labirinto do Fauno (El laberinto del fauno). Uma coprodução internacional entre Espanha e México, foi um projeto tão pessoal que del Toro investiu seu próprio salário para garantir sua conclusão. O filme é a síntese definitiva de todos os temas, influências e obsessões que moldaram sua vida e obra até aquele momento.
A história, que se originou de vinte anos de ideias, desenhos e fragmentos de enredo coletados em seus cadernos meticulosamente mantidos, se passa em 1944, cinco anos após a Guerra Civil Espanhola. Ela segue uma menina chamada Ofelia que viaja com sua mãe grávida para um posto militar rural comandado por seu sádico novo padrasto, o Capitão falangista Vidal. Escapando da realidade brutal de sua nova vida, Ofelia descobre um labirinto antigo e um fauno misterioso, que lhe diz que ela é uma princesa há muito perdida do submundo. Para recuperar seu reino, ela deve completar três tarefas perigosas.
O Labirinto do Fauno é uma mistura magistral e comovente de um conto de fadas sombrio, ao estilo dos irmãos Grimm, com a brutalidade inflexível da Espanha franquista do pós-guerra. O mundo da fantasia não é uma simples fuga da realidade, mas sim uma lente metafórica através da qual Ofelia processa e confronta seus horrores. Os temas da escolha e da desobediência são centrais; Ofelia é constantemente testada, forçada a escolher entre a obediência cega a figuras autoritárias como Vidal e o Fauno, e sua própria bússola moral inata. A criação mais aterrorizante do filme, o Homem Pálido, um devorador de crianças, é uma alegoria direta dos males institucionais do fascismo e da Igreja Católica cúmplice.
O filme estreou no Festival de Cannes de 2006, onde foi recebido com uma ovação de pé de 22 minutos, uma das mais longas da história do festival. Tornou-se um fenômeno global, arrecadando mais de 83 milhões de dólares com um orçamento modesto de 19 milhões e ganhando aclamação da crítica em todo o mundo. Recebeu seis indicações ao Oscar, incluindo Melhor Roteiro Original para del Toro, e ganhou três estatuetas por Fotografia, Direção de Arte e Maquiagem. O filme foi a destilação perfeita de toda a sua identidade artística, o trabalho para o qual toda a sua carreira o preparou, e lhe concedeu um imenso capital criativo para todos os seus futuros empreendimentos.
O Autor como Produtor e Colaborador
Após o sucesso monumental de O Labirinto do Fauno, a influência de del Toro se expandiu muito além de seu próprio trabalho como diretor. Ele solidificou seu papel como uma força central e geradora na narrativa de fantasia moderna, usando sua recém-descoberta influência para defender outros cineastas e expandir seu universo criativo em múltiplas plataformas. Seu trabalho como produtor não é um bico, mas uma extensão direta de seu impulso de construção de mundos. Incapaz de dirigir pessoalmente todas as histórias que capturam sua imaginação — como seu famoso projeto de paixão, nunca realizado, uma adaptação de Nas Montanhas da Loucura de H.P. Lovecraft — ele usa sua influência para dar vida a mundos tematicamente alinhados.
Ele atuou como produtor e mentor em aclamados filmes de terror em espanhol como O Orfanato (2007), de J.A. Bayona, e Mama (2013), de Andy Muschietti, nutrindo novos talentos dentro do gênero que ele ama. Ele também se tornou uma força criativa chave na animação, atuando como produtor executivo em filmes da DreamWorks Animation como Gato de Botas (2011), A Origem dos Guardiões (2012) e as sequências de Kung Fu Panda. Seu alcance se estendeu também a franquias de sucesso e à televisão. Depois de ser cotado para dirigir a adaptação cinematográfica de O Hobbit, ele acabou se afastando da cadeira de diretor, mas permaneceu como co-roteirista creditado em todos os três filmes da trilogia de Peter Jackson, moldando a narrativa da Terra-média. Ele se aventurou na televisão como co-criador e produtor executivo da série da FX The Strain: Noturna (2014-2017), baseada na trilogia de romances de vampiros que ele co-escreveu com Chuck Hogan. Para a Netflix, ele criou a extensa e amada franquia de animação Contos da Arcadia, que engloba as séries Caçadores de Trolls, Os 3 Lá Embaixo e Magos. Através desses diversos projetos, del Toro efetivamente cura um universo compartilhado maior de fantasia sombria, usando seu nome e recursos para construir seu “gabinete de curiosidades” em uma escala muito maior do que ele poderia alcançar sozinho.
Uma História de Amor Inconvencional: A Forma de um Oscar
Em 2017, Guillermo del Toro dirigiu o filme que lhe traria os maiores prêmios da indústria: A Forma da Água. A gênese do filme residia em uma memória de infância — assistir O Monstro da Lagoa Negra e desejar que o monstro e a protagonista feminina pudessem ter sucesso em seu romance. Décadas depois, ele deu vida a esse desejo em um conto de fadas da era da Guerra Fria que se tornou sua obra mais celebrada.
Ambientada em Baltimore em 1962, a história se concentra em Elisa Esposito, uma faxineira muda em um laboratório secreto do governo. Sua vida de isolamento silencioso é transformada quando ela descobre o ativo mais sensível do laboratório: uma criatura humanoide anfíbia capturada no Rio Amazonas. À medida que ela forma um vínculo silencioso com a criatura, ela descobre um plano de um agente do governo sádico para vivissecá-la. O filme é uma ode bela e melancólica aos excluídos, com a família encontrada de Elisa — seu vizinho gay não assumido e sua colega de trabalho afro-americana — representando as vozes marginalizadas da época. Feito com um orçamento relativamente modesto de 19,5 milhões de dólares, A Forma da Água é uma aula de atmosfera e emoção, usando seu cenário de 1962 como um “conto de fadas para tempos turbulentos” para comentar sobre as ansiedades sociais e políticas dos dias atuais.
O filme estreou no Festival de Veneza, onde ganhou o Leão de Ouro, e se tornou uma potência de crítica e premiações. Sua noite triunfante veio na 90ª edição do Oscar. O filme, que havia recebido treze indicações, ganhou quatro estatuetas, incluindo Melhor Design de Produção, Melhor Trilha Sonora Original, Melhor Diretor para del Toro e o cobiçado prêmio de Melhor Filme. Foi um momento marcante. Por décadas, os filmes de gênero foram amplamente relegados a categorias técnicas pelas principais premiações. Com esta vitória, a Academia abraçou totalmente o argumento de longa data de del Toro: que uma história sobre um monstro, e um romance entre uma mulher e um “homem-peixe”, poderia ser tão profunda, artística e digna da mais alta honra da indústria quanto qualquer drama tradicional. A “matéria vil” que ele tanto estimava havia sido alquimicamente transformada em ouro cinematográfico aos olhos do establishment.
Uma Visão em Evolução: Noir, Animação e o Futuro
Nos anos seguintes ao seu triunfo no Oscar, del Toro continuou a evoluir como artista, explorando novos gêneros enquanto aprofundava suas paixões mais antigas. Em 2021, ele lançou O Beco do Pesadelo, uma mudança significativa, pois foi seu primeiro longa-metragem sem elementos sobrenaturais. Uma adaptação luxuosa e sombria do romance de William Lindsay Gresham de 1946, o filme é uma exploração pura e escura da ambição e depravação humanas, demonstrando sua maestria no cinema noir clássico. Com seu design de produção deslumbrante e uma atuação de tour-de-force de Bradley Cooper, o filme recebeu quatro indicações ao Oscar, incluindo Melhor Filme, provando que seu comando artístico se estendia além do reino do fantástico.
Ele seguiu com um projeto que estava em gestação por mais de uma década: Pinóquio por Guillermo del Toro (2022). Retornando ao seu primeiro amor, a animação em stop-motion, ele reimaginou o conto clássico não como uma história infantil, mas como uma fábula sombria e profunda sobre vida, morte e desobediência, ambientada no contexto da Itália Fascista de Mussolini. O filme foi uma maravilha técnica e emocional, celebrado por sua beleza artesanal e seus temas maduros e antifascistas. Ele varreu a temporada de premiações, culminando em outra vitória no Oscar para del Toro, desta vez por Melhor Animação.
Essa vitória solidificou um novo caminho para o diretor. Ele afirmou que, após mais alguns filmes em live-action, planeja dedicar o resto de sua carreira principalmente à animação, um meio que ele considera a “forma mais pura de arte” e a que oferece o maior controle criativo. Para um cineasta obcecado pela construção meticulosa de mundos — um desejo nascido de seus filmes de infância em Super 8 e solidificado pelo trauma da interferência dos estúdios — o stop-motion representa a fronteira final. É o único meio onde a mão do diretor está, literalmente, em cada quadro, uma expressão direta e intransigente de sua vontade. Esse pivô fecha o ciclo de sua jornada, do menino que animava seus brinquedos em Guadalajara ao mestre que anima seus bonecos em um palco global.
Uma Paixão de uma Vida Ressuscitada: Frankenstein
Em 2025, del Toro está programado para lançar Frankenstein, um projeto que representa a culminação de uma obsessão artística de toda a vida. Para del Toro, a história não é apenas um clássico do gênero; é uma religião pessoal. Ele falou sobre ver o monstro de Boris Karloff quando criança e entender pela primeira vez “como era a aparência de um santo ou de um messias”. Essa conexão profundamente pessoal alimentou seu desejo de adaptar o romance de Mary Shelley por décadas, esperando as condições certas para criar uma versão que pudesse reconstruir todo o mundo da história na escala adequada.
Sua visão para o filme não é a de um filme de terror convencional, mas sim uma “história incrivelmente emocional”. Ele visa recapturar a sensação de ler o romance pela primeira vez, antes que seus personagens se tornassem caricaturas culturais. A narrativa se concentrará na complexa relação entre criador e criação, explorando temas de paternidade e filiação que estão profundamente enraizados na própria vida de del Toro. O filme é estrelado por Oscar Isaac como o brilhante e egoísta cientista Victor Frankenstein, com Jacob Elordi assumindo o papel de sua trágica criação. O elenco também inclui Mia Goth, Christoph Waltz e Charles Dance. O filme está programado para um lançamento limitado nos cinemas em 17 de outubro de 2025, antes de ser transmitido globalmente na Netflix em 7 de novembro de 2025. Del Toro descreveu o filme como o fim de uma era para ele, uma grande síntese das preocupações estéticas, rítmicas и empáticas que definiram seu trabalho desde Cronos até o presente.
O Santo Padroeiro da Imperfeição
A carreira de Guillermo del Toro é um testemunho do poder de uma visão singular e profundamente pessoal. Sua jornada de um menino obcecado por monstros em Guadalajara a um mestre celebrado de fábulas modernas foi definida por um compromisso inabalável com suas crenças fundamentais. Ele consistentemente defendeu o excluído, o “outro” e o imperfeito, encontrando neles uma beleza comovente que reflete nossa própria humanidade falha. Seu firme antiautoritarismo, seja direcionado à maquinaria do fascismo ou ao dogma da igreja, percorre como uma poderosa corrente subterrânea toda a sua obra. Ele é um autor no sentido mais verdadeiro, cujas preocupações temáticas e linguagem visual distinta são instantaneamente reconhecíveis. Seus filmes são sombrios, mas esperançosos, grotescos, mas poéticos, e operam com o profundo entendimento de que os contos de fadas não são uma fuga da realidade, mas uma ferramenta vital para navegar em seus cantos mais escuros.
Guillermo del Toro não apenas cria monstros; ele os entende, os ama e os vê como os santos padroeiros de um mundo que precisa desesperadamente abraçar suas imperfeições. Ao fazer isso, ele nos oferece um espelho lindamente estranho e profundamente empático para o monstruoso e o mágico dentro de todos nós.
