David Hockney e o tempo na pintura contemporânea

Em um cenário dominado por imagens fugazes e consumo acelerado, as novas pinturas de David Hockney convidam à pausa. Seu trabalho recente reflete sobre como a arte pode reter o tempo — não como resistência à mudança, mas como uma forma de conviver com ela. Entre paisagens, retratos e naturezas-mortas, Hockney reafirma a pintura como um meio capaz de registrar continuidade, repetição e a passagem silenciosa dos dias, uma abordagem especialmente relevante para a cultura visual contemporânea.

Em um momento em que as imagens parecem desaparecer quase na mesma velocidade com que surgem, essas obras levantam uma questão central: o que significa permanecer tempo suficiente diante de uma cena para que o tempo deixe marcas? A resposta de Hockney não é nostálgica nem defensiva. A pintura aparece como uma prática de atenção prolongada, um espaço em que a mudança não é congelada, mas observada em seu desdobramento lento.

A exposição surge em um contexto em que a lentidão se tornou um valor em disputa. Enquanto a circulação de imagens se acelera, instituições culturais seguem perguntando o que significa durabilidade na arte hoje. Hockney não propõe um retorno ao passado; ele insiste na continuidade. A pintura, com toda a sua história, segue sendo uma ferramenta viva para pensar a transformação.

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A Year in Normandie se apresenta como um friso monumental que atravessa o ciclo das estações — primavera, verão, outono e inverno. O tema é deliberadamente simples — árvores, caminhos, céu, luz —, mas o peso da obra está na duração. Os painéis se acumulam como registros de uma atenção constante, mais do que como ilustrações da natureza. O tempo não é comprimido em um único instante; ele se estende, se repete e avança, lembrando que as mudanças mais profundas costumam ser graduais.

Vista ao vivo, distante das reproduções, a obra se revela de outra forma. A escala exige envolvimento físico: o público caminha ao longo do friso, acompanhando o tempo que ele representa. Essa relação corporal com a obra ganha força em uma época em que as telas achatam a experiência em momentos rápidos e descartáveis.

Ao lado do friso, surgem novas pinturas de escala mais íntima: naturezas-mortas e retratos do círculo próximo do artista. Apesar do formato menor, elas são igualmente deliberadas. A composição frontal e a recorrência da toalha xadrez como eixo visual evocam a rotina doméstica, ao mesmo tempo em que afirmam o plano da pintura, lembrando que toda representação é uma negociação entre profundidade e superfície.

Hockney há muito defende que toda pintura figurativa é, por natureza, abstrata, simplesmente por existir sobre um suporte plano. Nessas obras recentes, essa ideia se torna visível. Objetos e rostos permanecem reconhecíveis, mas o uso da cor, dos padrões e da compressão espacial impede qualquer ilusão de naturalismo. As telas oscilam entre intimidade e distância, familiaridade e contenção formal.

Os retratos, em especial, sugerem uma relação diferente com o tempo em comparação ao friso monumental. Eles não registram duração, mas presença. Os retratados fazem parte do cotidiano de Hockney e aparecem sem enquadramentos narrativos ou ênfases psicológicas. A quietude transmite uma gravidade discreta, indicando cuidado em vez de performance. Em uma era de hiperexposição, esses retratos recusam o espetáculo.

O contexto institucional também importa. A mostra apresentada na Serpentine, no espaço Serpentine North, marca a primeira grande colaboração de Hockney com a instituição. Conhecida por seu vínculo com a experimentação e o presente, a Serpentine acolhe aqui um trabalho que insiste na continuidade e no valor de trajetórias artísticas longas. Em um ambiente cultural dominado pela novidade, essa postura funciona como um contraponto necessário.

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Do lado de fora, um mural impresso em grande escala, derivado da série da Normandia, estende a exposição ao jardim ao redor. A imagem de uma casa na árvore — associada a brincadeira, observação e refúgio — reconhece o interesse contínuo de Hockney pelas ferramentas digitais, sem apagar a distinção entre meio e método. O digital não substitui a pintura; ele amplia as formas de pensá-la.

A carreira de Hockney é marcada por curiosidade incessante, das primeiras investigações sobre percepção às experiências com fotografia e desenho digital. O que une essas fases não é um estilo, mas a atenção: a como vemos e a como o ver muda com o tempo. O conjunto atual não anuncia uma virada, mas esclarece um compromisso antigo.

Ao revisitar a capacidade da pintura de conter o tempo, Hockney a posiciona contra a amnésia cultural. Suas obras não defendem a supremacia do meio nem se refugiam na tradição. Elas sugerem que a pintura segue relevante justamente porque se recusa à velocidade. Em uma cultura visual governada pela imediaticidade, essa recusa se torna profundamente contemporânea.

O que permanece após a visita não é uma imagem isolada, mas um ritmo. A sensação de que o tempo, quando observado com paciência, ainda pode se tornar visível. Nas mãos de Hockney, a pintura deixa de ser uma declaração e se afirma como prática: uma forma de permanecer no mundo tempo suficiente para que ele se revele.

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