A estreia mundial de Na Lama (En el barro) na Netflix hoje marca um dos eventos mais significativos do calendário televisivo internacional. Esta série argentina de oito episódios não chega como uma entidade independente, mas como um aguardado spin-off do aclamado drama criminal El Marginal – O Cara de Fora, uma produção que redefiniu o gênero carcerário com sua verossimilhança crua e seus complexos estudos de personagem. A nova série mergulha os espectadores no universo paralelo de uma penitenciária feminina, La Quebrada, através de um catalisador narrativo de violência extrema e solidariedade súbita. Um grupo de detentas, a maioria delas sem experiência no sistema carcerário, sobrevive a um acidente mortal durante um transporte, emergindo de um rio literal e figurativamente batizadas na lama, um evento que as forja em um coletivo relutante, mas necessário.
Sob a tutela do criador Sebastián Ortega e de uma equipe criativa profundamente enraizada na série original, Na Lama aproveita a estética crua de sua predecessora enquanto assume a ambiciosa tarefa de forjar sua própria identidade distinta. Uma análise de sua estreia revela uma produção que não é meramente uma extensão de uma franquia de sucesso, mas um diálogo temático e cinematográfico deliberado com ela. A série interroga os tropos estabelecidos de poder, corrupção e sobrevivência através de uma lente de gênero, empregando uma linguagem visual sofisticada para explorar como a comunidade é forjada não nas margens da sociedade, mas a partir de seus espaços mais elementares e degradados.
A estrutura arquitetônica: de San Onofre a La Quebrada
A própria existência de Na Lama é um testemunho da nova economia do streaming global e do valor internacional da narrativa argentina. Sua estrutura de produção e liderança criativa revelam uma estratégia calculada para expandir um universo comprovado, ao mesmo tempo em que aprofunda suas preocupações temáticas.
Genealogia da produção: o “universo Ortega” se expande
Na Lama é uma grande coprodução internacional, mobilizando os recursos da Netflix, da Underground Producciones (uma divisão da Telemundo Studios) e da própria Telemundo. Essa aliança tripartite significa um investimento substancial no talento e na propriedade intelectual argentinos, projetado para uma audiência mundial. O modelo se baseia diretamente no sucesso de El Marginal – O Cara de Fora, que conquistou um enorme público internacional após sua aquisição e distribuição pela Netflix. A nova série é explicitamente posicionada como uma expansão do universo narrativo de El Marginal, mas com uma história autônoma que desloca o foco para uma prisão feminina. Essa abordagem é estrategicamente sólida, visando reter a base de fãs leais da original e, ao mesmo tempo, criar um novo ponto de entrada para espectadores não familiarizados com o clã Borges de San Onofre.
A ambição do projeto se reflete em sua escala física. A produção evitou locações existentes em favor da construção de seu cenário principal do zero. As filmagens ocorreram em uma vasta fábrica de alimentos desativada em Buenos Aires, dentro da qual foi construída toda a penitenciária de La Quebrada. Essa decisão proporcionou aos cineastas um ambiente completamente controlado, um mundo autônomo onde cada parede em decomposição e cada barra enferrujada podiam ser meticulosamente projetadas e iluminadas. Os escritórios administrativos da fábrica foram reaproveitados como sede da produção, criando um aparato cinematográfico altamente eficiente e imersivo que ressalta o considerável orçamento e escopo do projeto.
A linhagem criativa: Sebastián Ortega e seus autores
A série é ancorada pela visão singular de seu criador, Sebastián Ortega, uma figura dominante na televisão e no cinema argentinos contemporâneos. A filmografia de Ortega — que inclui não apenas El Marginal, mas também o drama carcerário fundamental Tumberos (2002), a saga de crimes reais Historia de un clan (2015) e o longa-metragem O Anjo (2018) — demonstra uma assinatura autoral consistente. Seu trabalho é caracterizado por uma representação hiper-realista e muitas vezes brutal das subculturas criminosas, um fascínio pela moralidade fluida das comunidades marginalizadas e uma exploração das estruturas familiares improvisadas que se formam em ambientes extremos.
Para executar essa visão, Ortega reuniu uma equipe que equilibra continuidade com novas perspectivas. A lista de diretores é um claro indicador dessa estratégia:
- Alejandro Ciancio é um arquiteto-chave da estética de El Marginal, tendo dirigido vários episódios ao longo de suas cinco temporadas, bem como a série criminal relacionada O Segredo da Família Greco. Seu envolvimento garante uma gramática visual e tonal consistente, ancorando a nova série no realismo inflexível do universo estabelecido.
- Mariano Ardanaz é outro veterano de El Marginal e de outras produções de Ortega, consolidando ainda mais a linhagem estilística da série. Seu trabalho em dramas como Diário de um Gigolô também aponta para uma proficiência com narrativas polidas e centradas nos personagens, que podem informar as dinâmicas interpessoais mais íntimas de Na Lama.
- Estela Cristiani, conhecida por dirigir a série La viuda de Rafael e o drama musical juvenil Go! Viva do seu Jeito, representa um afastamento do gênero policial hard-boiled. Sua inclusão sugere uma intenção deliberada de focar mais profundamente nos arcos emocionais e nas relações complexas entre as personagens femininas, particularmente as detentas mais jovens.
Essa mistura de diretores se reflete na sala de roteiristas, um esforço colaborativo entre Ortega, Silvina Frejdkes, Alejandro Quesada e Omar Quiroga. Essa abordagem de equipe é uma marca registrada da Underground Producciones de Ortega, fomentando um ambiente de oficina para o desenvolvimento narrativo.
A escolha de criar um spin-off centrado em mulheres com essa equipe criativa específica é mais do que uma decisão comercial para franquear uma propriedade popular. Significa um esforço artístico consciente para refratar os temas estabelecidos de El Marginal através de um novo prisma. O mundo de San Onofre era fundamentalmente masculino, seus conflitos e estruturas de poder definidos por hierarquias patriarcais, desde a liderança familiar da gangue dos irmãos Borges até a autoridade estatal corrupta do diretor. Ao realocar a narrativa para uma prisão feminina, Ortega e sua equipe são compelidos a explorar como essas dinâmicas de poder, corrupção e sobrevivência se manifestam de forma diferente. É menos provável que os conflitos sejam resolvidos pela força física bruta e mais provável que envolvam uma intrincada guerra psicológica, alianças sociais mutáveis e formas alternativas de resiliência.
A evolução está codificada no título da série. Uma mudança de El Marginal (O Marginalizado) para Na Lama (En el barro) é uma profunda declaração temática. “Marginal” define uma pessoa por sua posição em relação a um centro social; é um termo de exclusão. “Na Lama”, no entanto, sugere uma condição mais elementar e primal. É um estado de degradação e estagnação, mas também um lugar de criação e ausência de forma, evocando a argila primordial da qual a vida emerge. Isso sinaliza uma narrativa preocupada não apenas em sobreviver nas margens, mas na própria construção da identidade a partir do zero. A série entra, assim, em um diálogo direto com sua predecessora, levantando questões críticas: como é a sobrevivência quando o patriarcado de San Onofre é suplantado por um sistema de poder diferente, talvez matriarcal, ou simplesmente mais anárquico? Como a comunidade é forjada entre mulheres em uma instituição projetada para atomizá-las e quebrá-las?
As habitantes de La Quebrada: elenco e caracterologia
A população de La Quebrada é um elenco meticulosamente montado que mistura rostos familiares com sangue novo, refletindo uma estratégia sofisticada para ancorar a série em suas raízes argentinas, ao mesmo tempo em que projeta seu apelo para um mercado global.
O nascimento das “Enlameadas”: uma nova irmandade
O motor narrativo da série é a formação de uma nova “tribo” forjada no trauma. As cinco mulheres que sobrevivem à queda do veículo de transporte em um rio se tornam uma unidade, seu vínculo selado por uma experiência de quase morte compartilhada. Sua identidade coletiva, “Las embarradas” (As Enlameadas), nasce diretamente desse batismo violento, um nome que significa tanto seu status degradado quanto suas origens elementares.
O grupo é uma amostra da experiência carcerária:
- Gladys “La Borges” Guerra (Ana Garibaldi): Uma personagem com histórico no universo de El Marginal, Gladys fornece a ponte narrativa crucial com a série original. Anteriormente uma figura secundária, ela agora é elevada a protagonista. Como uma mulher com experiência no mundo “tumbero” (carcerário), ela é empurrada para o papel de líder relutante para as sobreviventes não iniciadas.
- As neófitas: O restante do grupo principal é composto por detentas sem histórico prisional anterior, um dispositivo narrativo clássico que permite ao público aprender as regras brutais de La Quebrada em conjunto com as personagens. Este elenco inclui figuras interpretadas pela estrela internacional Valentina Zenere (Elite), a atriz colombiana Carolina Ramírez e a veterana do palco e da tela argentina Lorena Vega.
- As antagonistas: A principal fonte de conflito vem das “tribos” já estabelecidas que controlam o ecossistema da prisão. “As Enlameadas” devem resistir a serem absorvidas ou destruídas por essas estruturas de poder preexistentes. Figuras-chave neste ambiente hostil incluem Cecilia Moranzón, interpretada pela reverenciada atriz argentina Rita Cortese, que parece ser uma formidável matriarca da prisão, e Amparo Vilches, uma personagem interpretada pela atriz espanhola Ana Rujas, que descreveu seu papel como o de “uma vilã de verdade”.
Ecos de San Onofre e novas adições estratégicas
Para reforçar a conexão com a série-mãe, Na Lama apresenta o retorno de personagens-chave de El Marginal. O cínico e profundamente corrupto oficial de prisão Sergio Antín (Gerardo Romano) é uma figura proeminente, confirmando que a podridão sistêmica retratada na prisão masculina é endêmica em todo o sistema carcerário. Além disso, relatos indicam o retorno do protagonista original Juan Minujín (Pastor) e de Maite Lanata (Luna), sugerindo o potencial para importantes enredos cruzados que entrelaçarão as duas séries mais firmemente.
Ao lado desses veteranos, a produção fez várias escolhas de elenco de alto perfil, projetadas para gerar burburinho e ampliar a audiência da série. A mais notável é a estreia como atriz de María Becerra, uma das maiores estrelas pop contemporâneas da Argentina. Seu papel, que supostamente inclui uma muito discutida “cena quente” com a personagem de Valentina Zenere e uma contribuição para a trilha sonora, é uma manobra de marketing calculada, destinada a capturar a atenção de seu enorme público jovem e gerar cobertura da imprensa muito além da esfera televisiva típica. A escalação de Zenere, um rosto globalmente reconhecido do sucesso da Netflix Elite, e da atriz espanhola Ana Rujas, é uma estratégia clara e deliberada para reforçar o apelo da série em mercados internacionais-chave, particularmente na Espanha e em toda a Europa.
Elenco principal e equipe criativa
A série é uma grande coprodução internacional entre a Netflix, a Underground Producciones (uma divisão da Telemundo Studios) e a própria Telemundo. A equipe criativa é liderada pelo criador Sebastián Ortega, uma figura proeminente no drama criminal argentino, conhecido por El Marginal, Tumberos e Historia de un clan. Os roteiros foram desenvolvidos por uma equipe colaborativa que inclui Ortega, Silvina Frejdkes, Alejandro Quesada e Omar Quiroga. A equipe de direção conta com os veteranos de El Marginal Alejandro Ciancio e Mariano Ardanaz, aos quais se junta Estela Cristiani. A identidade visual da série é moldada pelos diretores de fotografia Miguel Abal, um premiado diretor de fotografia de cinema, e Sergio Dotta, que também trabalhou em El Marginal. A trilha sonora é composta por Juan Ignacio Bouscayrol. O elenco é liderado por Ana Garibaldi (Gladys Guerra), Valentina Zenere (Marina), Rita Cortese (Cecilia Moranzón), Lorena Vega, Marcelo Subiotto, Carolina Ramírez e Ana Rujas (Amparo Vilches). Eles são acompanhados pelos atores de El Marginal Gerardo Romano (Sergio Antín) e Juan Minujín (Pastor), com participações especiais da estrela pop María Becerra e do ator Martín Rodríguez (Griselda).
A escalação de Na Lama funciona como um microcosmo da estratégia de conteúdo global contemporânea da Netflix. Não é uma coleção incidental de atores, mas um conjunto meticulosamente projetado para equilibrar a autenticidade local com a comercialização internacional. A base dessa estratégia repousa na credibilidade de seu elenco argentino. A presença de atores reverenciados como Rita Cortese, Marcelo Subiotto e Ana Garibaldi, ao lado dos atores que retornam de El Marginal, ancora a série em seu meio cultural específico e garante a lealdade do público doméstico e da base de fãs original. Este é o alicerce da autenticidade sobre o qual a estrutura global é construída. A próxima camada é uma ponte para um público mais jovem e internacional. A escalação de Valentina Zenere, uma estrela do fenômeno global da Netflix Elite, fornece um marco familiar para um enorme público de adolescentes e jovens adultos que podem não ter conhecimento prévio de El Marginal. Seu envolvimento é um canal direto para esse público. A terceira camada é o gancho do “evento”: a escalação de María Becerra. Sua estreia como atriz é uma notícia por si só, projetada para gerar velocidade nas redes sociais e cobertura da imprensa muito além dos confins da crítica televisiva, atraindo assim um vasto público do mundo da música popular. Finalmente, a inclusão da atriz espanhola Ana Rujas em um papel de vilã fundamental é um movimento direcionado para aumentar a ressonância da série na Espanha, um mercado europeu crucial para a plataforma de streaming. Essa abordagem multicamadas revela uma compreensão sofisticada da segmentação moderna do público, criando um produto “glocal” projetado para satisfazer simultaneamente públicos distintos: os leais locais, a juventude global, os fãs de música e territórios internacionais específicos.
Um batismo de lama: desconstruindo a linguagem cinematográfica da estreia
O episódio de estreia de Na Lama funciona como uma poderosa declaração de intenções, estabelecendo seu tom brutal e sua gramática visual através de uma sequência de abertura magistralmente executada e uma construção deliberada de seu mundo.
O incidente incitante: um estudo do caos controlado
A série começa com o evento precipitante: o transporte de Gladys Guerra e outras detentas para a prisão de La Quebrada é violentamente emboscado, e seu veículo é lançado em um rio. Esta sequência é um tour de force técnico de caos controlado. A direção emprega uma câmera de mão imersiva de dentro do veículo para transmitir o pânico crescente e a desorientação das detentas enquanto a água inunda o compartimento. Essa perspectiva claustrofóbica é provavelmente contrastada com planos gerais amplos e objetivos da van sendo engolida pela água lamacenta, enfatizando a finalidade de sua descida.
O design de som é fundamental para a eficácia da cena. A cacofonia diegética do ataque — tiros, vidros quebrando, gritos — dá lugar a um horror subaquático e abafado. A paisagem sonora se torna uma expressão terrivelmente íntima da experiência de quase morte das personagens, onde o mundo é reduzido ao som de corpos lutando e à pressão das profundezas. Essa abordagem, que usa som atmosférico intensificado e muitas vezes desagradável para induzir ansiedade e desfamiliarizar o ambiente, lembra a filosofia sônica da aclamada cineasta argentina Lucrecia Martel em obras como O Pântano. A eventual emergência das sobreviventes na margem do rio, com seus suspiros quebrando o silêncio aquático, proporciona uma poderosa liberação auditiva e emocional, marcando seu renascimento.
Mise-en-scène e construção de mundo: a textura de La Quebrada
A prisão de La Quebrada é estabelecida como uma personagem por si só, sua identidade moldada por sua história como uma fábrica convertida. Essa gênese industrial permeia a mise-en-scène. O mundo visual da prisão é um de espaços cavernosos e em decomposição, com uma linguagem de ferrugem, tinta descascada e concreto frio. Este purgatório feito pelo homem contrasta fortemente com a lama orgânica e primordial da sequência de abertura, criando um mundo que é ao mesmo tempo impiedosamente artificial e ativamente em decomposição.
A cinematografia, liderada por Miguel Abal e Sergio Dotta, é essencial para realizar essa visão. O trabalho de Dotta em El Marginal sugere uma continuação de sua estética característica: uma paleta dessaturada e de alto contraste que enfatiza a crueza e a textura. Abal, um veterano diretor de fotografia de cinema, pode introduzir uma qualidade mais composta, quase pictórica, em certos quadros, criando uma tensão visual entre a imediatez crua de estilo documental e um expressionismo cinematográfico mais deliberado. A paleta de cores é dominada por ocres, cinzas e marrons, reforçando visualmente o motivo central da “lama”.
Seguindo a tradição do cinema argentino de referência, o olhar da câmera é intensamente corporal. A estreia está repleta de imagens táteis: closes extremos na pele coberta de lama, a textura áspera dos uniformes da prisão contra o corpo, a pura fisicalidade da sobrevivência. Isso não é gratuito, mas destina-se a promover uma forma de espectador encarnado, compelindo o público a sentir a sujeira, o frio e a textura deste mundo. Este foco no corpo como uma paisagem de experiência — um local de dor, sujeira e abjeção — é uma técnica-chave para deslocar o lócus do conhecimento do intelecto para uma compreensão mais visceral e corporal.
Ritmo, montagem e trilha sonora
O ritmo do episódio de estreia é construído sobre fortes contrastes. A energia cinética e frenética da queda inicial dá lugar a um ritmo mais lento e observacional, à medida que as sobreviventes atordoadas devem decifrar os códigos sociais complexos e ameaçadores da prisão. Essa mudança de ritmo espelha a própria jornada psicológica das personagens, do puro instinto de sobrevivência ao horror crescente de sua nova realidade. A trilha sonora de Juan Ignacio Bouscayrol, conhecido por seu trabalho em filmes argentinos independentes, é crucial para modular esse tom. É uma trilha minimalista, atmosférica e muitas vezes percussiva que aumenta a tensão e o desconforto em vez de telegrafar emoções, uma marca registrada dos thrillers de prestígio contemporâneos.
Ressonância temática: a sociedade em um microcosmo
Além de suas emoções viscerais e seu polimento técnico, Na Lama é uma série rica em ambição temática. Ela usa o microcosmo da prisão para explorar questões sociais e filosóficas complexas, reenquadrando as preocupações centrais de sua predecessora através de uma nova perspectiva, distintamente feminina.
O olhar feminino em um universo masculino
A série reorienta fundamentalmente os temas de El Marginal ao centrar a experiência feminina. Ela investiga como as mulheres navegam em um sistema de violência e controle que muitas vezes é arquitetado por e para homens. A narrativa está profundamente investida na exploração da formação de alianças femininas, das manifestações únicas de poder e hierarquia entre as mulheres e do custo psicológico específico do encarceramento para elas. Esse foco temático se conecta a uma poderosa corrente nas artes latino-americanas contemporâneas, que confronta cada vez mais questões de discriminação de gênero e destaca narrativas de resistência feminista. Em seu próprio contexto brutal e confinado, a série examina os “novos papéis… que a mulher assume em sua decisão de se integrar à história”, mesmo que essa história esteja sendo escrita no pátio de uma prisão.
O corpo político e o corpo em dor
O motivo central e recorrente da “lama” opera em múltiplos níveis simbólicos. Representa um apagamento forçado de identidades passadas, um despojamento violento do eu que reduz as personagens a um estado primal e indiferenciado, do qual um novo coletivo deve nascer. O ato físico de serem “enlameadas” é um batismo traumático que une irrevogavelmente as protagonistas. A série usa o corpo físico como a tela principal para seus temas. O trauma do acidente, a ameaça diária de violência e a luta pela sobrevivência tornam o corpo um local de profunda dor e vulnerabilidade. No entanto, é também o lócus da resiliência, da adaptação e, em última análise, da resistência. Isso se alinha com tradições artísticas que usam o corpo para explorar lutas sociais e políticas mais amplas, onde a dor individual reflete uma condição coletiva.
A série representa uma evolução temática significativa em relação à sua predecessora, deslocando sua metáfora central da marginalização social para a resistência fundamental. Essa mudança sutil, mas crucial, sugere uma visão mais profunda e talvez mais esperançosa, embora brutal, da mudança social. O próprio título de El Marginal definia seus personagens por sua relação com a ordem social; eles existiam na periferia, e sua luta era para conquistar poder e significado dentro desse espaço liminar. Eles eram definidos por sua exclusão. Na Lama, por outro lado, começa com um colapso literal e figurativo. O transporte afunda, o velho mundo é levado pela água e as personagens são devolvidas a um estado primal, cobertas pela própria terra. Elas não estão na margem; estão em um novo marco zero. O nome que escolheram, “Las embarradas”, não é sobre serem forasteiras; fala de sua própria substância. Elas são “As Enlameadas”. Isso invoca um mito da criação, um novo começo a partir dos elementos mais básicos. Isso ressoa profundamente com as tradições literárias e culturais latino-americanas, onde o “barro” (lama ou argila) é uma substância de criação, mas também de pobreza, luta e da realidade terrena dos oprimidos. Isso reenquadra todo o conceito de resistência. Em El Marginal, a resistência era muitas vezes um jogo de poder cínico e transacional. Em Na Lama, a formação do grupo é um ato de pura sobrevivência que evolui organicamente para uma identidade coletiva. É uma resistência que não nasce da ambição, mas de uma humanidade compartilhada descoberta nas circunstâncias mais desumanas. Isso ecoa narrativas históricas de resistência popular, onde novas formas de solidariedade emergem do crisol da opressão compartilhada. A série, portanto, parece estar apresentando um argumento mais fundamental: que os laços sociais verdadeiramente transformadores não são forjados desafiando um centro a partir das margens, mas nascem da dissolução completa da velha ordem — da lama da crise.
Uma fundação brutal e promissora
Na Lama estreia como uma série confiante, cinematograficamente sofisticada e implacavelmente brutal. Ela herda com sucesso a estética crua e o DNA temático de El Marginal, ao mesmo tempo em que estabelece decisivamente seu próprio território narrativo distinto e centrado nas mulheres. O episódio de abertura funciona como uma poderosa declaração de missão, usando seu incidente incitante visceral para lançar as bases para uma exploração complexa do trauma, da sobrevivência e da formação de uma nova identidade coletiva diante da hostilidade sistêmica. A direção é segura, os valores de produção são excepcionalmente altos para o gênero e o elenco demonstra uma química imediata e convincente.
Embora preste homenagem à sua célebre linhagem, Na Lama claramente não se contenta em ser uma simples repetição. Ao mergulhar suas personagens, e por extensão seu público, na “lama” elementar, ela levanta uma questão mais profunda e urgente. Ela vai além de perguntar como se sobrevive nas margens de um sistema quebrado e, em vez disso, interroga como um novo mundo — com novos códigos, novas lealdades e novas formas de solidariedade — pode ser construído a partir dos escombros do antigo. A série lançou uma base formidável e sangrenta para o que promete ser um dos dramas mais cativantes e tematicamente ricos do ano.
A série de oito episódios foi lançada globalmente na Netflix em 14 de agosto de 2025.
