Guillermo del Toro, o cineasta que nos ensinou que a beleza pode ter brânquias e que a inocência muitas vezes requer desobediência para sobreviver, sempre habitou um espaço incômodo: a interseção entre o terror estético e a ternura radical. Seu universo narrativo é um argumento contínuo a favor do defeituoso, do marginalizado e do gloriosamente incorreto. Para muitos, Del Toro não apenas conta histórias, mas traça um mapa emocional que justifica a existência daquilo que a sociedade se empenha em esconder.
O Banquete do Monstro Imperfeito: Uma Imersão Íntima
Essa visão profundamente pessoal é o eixo central de Sangre del Toro, o documentário que se apresenta como a radiografia mais íntima de sua psique criativa, menos uma biografia formal e mais uma imersão na arquitetura mental que dá vida às suas criaturas. Dirigido pelo cineasta francês Yves Montmayeur, um documentarista com vasta experiência em explorar o mundo do cinema e que apresentou a obra na seção Venice Classics, o filme se afasta deliberadamente da linha do tempo cronológica. Montmayeur, que conta com uma trajetória de duas décadas, busca oferecer uma “viagem íntima” ao universo criativo, retratando Del Toro simplesmente “em um momento de sua vida”.
O documentário foca em desvendar a arquitetura mental do cineasta de Guadalajara. Não é uma biografia clássica, mas introduz-se diretamente na mente do diretor, reunindo depoimentos do próprio Del Toro e de colaboradores próximos, como o diretor de arte Eugenio Caballero. Visualmente, o filme vale-se de um recurso brilhante: utiliza muitas imagens da gigantesca exposição Em Casa com Meus Monstros (En casa con mis monstruos), apresentada em Guadalajara em 2019. A exposição em si é um objeto de estudo, já que foca na arte do que é considerado monstruoso, não apenas na forma física, mas também em seu “comportamento ou significado”.
Ao misturar esse vasto arquivo pessoal com cenas de suas grandes produções, como Hellboy, O Labirinto do Fauno ou A Forma da Água, o documentário utiliza a coleção como se fosse a própria biografia. A exposição, sendo uma síntese curada por Del Toro de todas as suas influências (desde objetos de arte sacra mexicana até referências a Edgar Allan Poe), permite ao documentário mapear o desenvolvimento psicológico do diretor sem a necessidade de seguir um calendário linear. A estrutura do filme, portanto, imita a natureza associativa e não linear da própria imaginação de Del Toro.
“Devemos Estar Ferrados”: A Filosofia da Arte Sem Pedigree
Se há um ponto filosófico que define a essência do diretor mexicano, e que o documentário captura de forma crucial, é a sua defesa da incorreção. Del Toro surpreendeu em Veneza com uma declaração que se torna a tese central de sua arte: a imperfeição não é uma deficiência, mas a fonte necessária da criação. Capturando a voz do diretor em um momento de grande convicção, o documentário enfatiza sua afirmação de que a imperfeição é algo desejável.
Del Toro formulou isso de maneira contundente e com uma dose de humor negro: “Podemos estar ferrados e criar arte. Na verdade, devemos estar ferrados!”. Essa ideia vai além de uma mera permissão para o erro; é uma profunda reflexão sobre a autenticidade. A arte de verdade, sugere, deve nascer do desconforto e da fricção. Essa filosofia da falha é apresentada como uma vigorosa repulsa às exigências de pureza ou perfeição impostas por estruturas rígidas.
A pergunta retórica lançada por Del Toro revela a intenção social de seu trabalho: “Não temos uma posição na igreja, não somos políticos, por que deveríamos ser perfeitos?”. Ao despojar-se da necessidade de um pedigree moral ou institucional, o artista se liberta para retratar a verdade humana em seus “traços mais crus”. A aceitação dessas falhas e dessa natureza intrinsecamente “quebrada” conecta-se diretamente a um dos grandes motores narrativos de sua filmografia: a desobediência.
Se a ordem estabelecida exige uma perfeição inalcançável (o dogma, o poder), então o ato de abraçar a própria realidade imperfeita torna-se o ato mais moral e humano. É a desobediência que guia a Ofélia de O Labirinto do Fauno a buscar a verdade, e é a aceitação da mortalidade e da imperfeição que permite ao seu Pinóquio alcançar a humanidade. O documentário, ao traçar esses paralelos, demonstra que a obra de Del Toro é um argumento sustentado contra o embranquecimento da realidade social e emocional, utilizando o monstro como ferramenta de dignificação.
Os Labirintos de Guadalajara: O Sangue Mexicano no Horror Global
Para entender onde se origina esse apetite pelo gótico e pelo imperfeito, Sangre del Toro viaja necessariamente a Guadalajara. O documentário adentra a infância formativa do diretor, um período que foi marcado pelo medo infantil da morte. Del Toro compartilha no filme como seus pais o deixavam no cinema desde as dez da manhã para assistir a filmes de terror, um ritual que semeou seu amor precoce e profundo pelo gênero.
Essa relação precoce e prática com o cinema estabeleceu-se em uma idade surpreendentemente jovem. Del Toro relata como fez seu primeiro filme aos oito anos, utilizando a câmera Super 8 de seu pai. Esse detalhe sublinha que sua identidade como cineasta não foi uma vocação tardia, mas uma necessidade expressiva que se manifestou quase desde o berço. O filme não apenas rastreia a origem de sua técnica, mas de sua estética. Os pontos de ancoragem de seu estilo gótico revelam-se profundamente locais.
Seu gosto pelo gótico, confessa, vem da imponente catedral de Guadalajara. Mais ainda, a cultura mexicana, com sua familiaridade e culto à morte, é identificada como um elemento “muito entranhado no espírito de Del Toro”. Essa conexão contrasta com a narrativa comum que costuma ver o cinema de terror como puramente eurocêntrico, demonstrando que Del Toro filtrou o gênero através do prisma da fatalidade e do melodrama barroco latino, elevando a iconografia mexicana a um nível de influência tão vital quanto os monstros clássicos. Um elemento narrativo constante em suas histórias é seu amor pelos labirintos, uma fascinação que o diretor também aborda no documentário. O labirinto é, por definição, uma estrutura de busca e confusão que encapsula o medo e a necessidade de encontrar um caminho através de um caos percebido. Ao conectar essas estruturas narrativas com sua geografia natal, o documentário sublinha que o “sangue” de Del Toro é um amálgama indivisível de horror global e tradição de Guadalajara.
Bleak House: A Coleção como Consciência Externalizada
Se a infância de Del Toro explica a origem de seu fascínio, sua coleção pessoal em Los Angeles, conhecida como Bleak House (uma referência a Charles Dickens), é a materialização tangível dessa mente. O documentário utiliza essa residência, que é um museu insólito repleto de mais de 600 objetos que refletem sua obsessão, para explorar seu fascínio perene pelo monstruoso.
A célebre exposição Em Casa com Meus Monstros, cujas imagens são um pilar visual do documentário, é, em essência, a exportação pública de sua consciência criativa. A coleção é intencionalmente eclética, pois seu propósito é examinar a arte do monstruoso não apenas em sua forma física, mas também em seu “comportamento ou significado”. A mostra revela a metodologia de Del Toro: como ele toma influências vastas e estrangeiras (desde Poe e Lovecraft até Moebius) e as transforma, colocando-as em contexto com a imaginação fantástica mexicana. Isso inclui a comparação de mitologias estrangeiras com a arte sacra e a caricatura política mexicana, que têm raízes históricas que remontam ao período colonial.
Essa dedicação aos seus objetos vai muito além do simples colecionismo. Quando parte de seu acervo foi empacotado para a exibição no Museu de Arte do Condado de Los Angeles (LACMA), o diretor admitiu sentir-se profundamente desconfortável e declarou que a casa parecia “vazia”. Ele considera essas criaturas e artefatos seus “companheiros” e seu “cuidador”. Esse detalhe revela um aspecto profundamente humano e vulnerável do diretor. A Bleak House não é apenas um depósito de arte, mas um santuário psicológico. Ao mostrar essa dependência emocional de seus “monstros”, o documentário ilustra como o colecionismo se torna um mecanismo de defesa contra o caos do mundo exterior. É um artista que precisa construir um refúgio físico para sua imaginação, e o filme documenta a relação íntima entre o homem e suas criaturas.
Anatomia do Antagonista: O Verdadeiro Horror de Terno e Gravata
A exploração da mente de Del Toro em Sangre del Toro revela que seu fascínio pelos monstros sempre foi uma forma oblíqua de crítica social. Uma premissa fundamental de seu cinema é que as estruturas de poder e a opressão sistêmica são os verdadeiros antagonistas, não as criaturas de fantasia. Seus filmes, como O Labirinto do Fauno, utilizam a fantasia como “refúgio e ato de resistência” contra a “opressão e a violência do mundo adulto”.
O diretor identifica a fonte do monstro moderno como ideológica. A brutalidade não emana da biologia ou do sobrenatural, mas da “certeza, do dogma, do seguimento da ideia de que somos nós e eles”. A divisão é, para Del Toro, a raiz da desumanidade, e seu cinema busca expor a autoridade que disfarça a crueldade. De fato, ele afirma que os monstros mais brutais de hoje em dia usam “terno e gravata”.
Essa filosofia adquire uma relevância contemporânea vital quando Del Toro a aplica a problemas sociais imediatos. No documentário, ouve-se o diretor refletir sobre o estado da migração, lamentando o quão “absolutamente terrível” é ver a migração como um fator prejudicial. Ele considera essa postura uma loucura, já que um país como os Estados Unidos foi “criado com base na migração”. Ao vincular o arquétipo do monstro, um ser marginalizado e rejeitado (como o monstro de Frankenstein), com a experiência do migrante moderno, Del Toro transforma os tropos clássicos do horror em uma parábola política imediata sobre a alienação e a crueldade das fronteiras. O documentário confirma que, sob o verniz da fantasia sombria, jaz um autor com um profundo compromisso humanista que busca a empatia até mesmo nos personagens mais deformados.
Uma Última Sessão: O Fim de um Ciclo e a Próxima Transformação
Sangre del Toro não olha apenas para trás, mas documenta um ponto de inflexão profissional. O documentário capta a atmosfera de colaboração e generosidade que define seu processo criativo. Del Toro, conhecido por sua habilidade em inspirar suas equipes, descreveu um de seus atores principais como alguém que faria de seu papel “um banquete”, confirmando seu compromisso com um ambiente que fomenta a expressividade e o alto rendimento criativo.
No entanto, o depoimento mais revelador do diretor é sua própria autoavaliação. Del Toro confirma categoricamente que seu último projeto cinematográfico representa o fim de uma era: “soube que é o fim de um ciclo, isso eu tenho claríssimo”. Segundo ele, tudo o que praticou e produziu durante três décadas de direção culminou nesse filme, marcando um ponto de encerramento antes que comece um “novo ciclo”.
Essa declaração confere um peso histórico particular a Sangre del Toro. O documentário, dirigido por Montmayeur, torna-se não apenas um estudo de caso sobre a criatividade, mas a retrospectiva definitiva sobre a filosofia, as influências e a metodologia que definiram o Guillermo del Toro da primeira etapa: o homem por trás de O Labirinto do Fauno, A Forma da Água e a animação Pinóquio. Ao documentar a consciência criativa justamente quando o artista declara o encerramento de sua fase estética dominante, o filme serve como a crônica essencial do “sangue” que impulsionou essas três décadas de fantasia. A obra de Montmayeur é, portanto, uma culminância e uma despedida, um mapa detalhado do caminho percorrido antes da próxima metamorfose artística.
O Encontro na Netflix
Preparem-se para adentrar a mente mais terna e aterrorizante do cinema contemporâneo, pois a viagem íntima em Sangre del Toro estreia na Netflix em 21 de novembro.
