A Alexander Gray Associates tem o orgulho de apresentar na Frieze London uma série de obras recentes e históricas de artistas ilustres como Chloë Bass, Frank Bowling, Ricardo Brey, Bethany Collins, Melvin Edwards, Harmony Hammond, Kang Seung Lee, Steve Locke, Carrie Moyer, Ronny Quevedo, Joan Semmel, Hugh Steers e Ruby Sky Stiler. Esses artistas, cada um com sua abordagem única, ultrapassam coletivamente os limites da materialidade e da representação, criando novos caminhos formais e conceituais no mundo da arte.
Frank Bowling, uma figura imponente da arte abstrata por mais de meio século, entrelaça perfeitamente a memória pessoal e coletiva para explorar e refletir sobre a identidade negra. Sua constante evolução no uso da cor é evidente em pinturas como Sunrise (2020), que não apenas evocam a qualidade luminosa das pinturas de paisagens inglesas do século XVIII, mas também capturam a névoa cintilante dos cursos d’água em sua Guiana natal. Amigo íntimo de Bowling, Melvin Edwards cria esculturas abstratas que misturam expressividade com formas modernistas. Seu trabalho, como Combination (2005), da série Lynch Fragments, utiliza o aço para simbolizar o trabalho físico e a violência racial, reconfigurando assim as narrativas relacionadas à diáspora africana.
Chloë Bass investiga o potencial da linguagem, documentando as interrupções que estruturam a vida cotidiana. Sua obra, January 6th – 7th, 2020 (2024), apresenta um par de lâmpadas inscritas com o relato da artista sobre esses dias. As variações sutis na intensidade das lâmpadas significam a passagem do tempo, incentivando, como Bass descreve, novas formas de “ver”. Em contraste, Bethany Collins emprega as qualidades materiais do papel e suas reações a eventos físicos para codificar histórias mais amplas. Sua obra, Old Ship XII (2023), transforma o papel em um monumento dedicado à história dos negros americanos.
Joan Semmel e Carrie Moyer adotam uma abordagem ousada de cor e forma. Desde a década de 1970, Semmel vem intervindo na tradição histórica da arte do nu. Suas telas, como Seated (2024), celebram tanto a cor quanto a carne, usando seu próprio corpo como tema. Da mesma forma, as composições lúdicas de Moyer enfatizam o sensorial. Em Icy Hot (2024), ela cria uma superfície imersiva e tátil que lembra o mundo natural. O compromisso de Ricardo Brey com a cor, visto em sua série contínua de obras azuis, como Filtering of Lights (2023), entrelaça a história do monocromático com a paisagem.
Harmony Hammond e Ruby Sky Stiler, por outro lado, reformulam a pintura por meio de lentes queer e feministas. As pinturas quase monocromáticas de Hammond, como Lace II (2013), apresentam superfícies muito trabalhadas, semelhantes à pele. Essas telas são uma espécie de “queer” do monocromático modernista, defendendo uma abordagem da abstração enraizada no corpo. As pinturas em relevo de Stiler, como Seated Blue Figure (with turquoise and red outline) (2024), desafiam os arquétipos da história da arte ao apresentar figuras femininas coladas contra fundos semelhantes a fractais, abordando a dicotomia entre “a mulher como sujeito da pintura versus criadora da imagem”, como Stiler articula. Os desenhos multicamadas de Ronny Quevedo, como el centro folklórico (2024), fragmentam e remontam motivos abstratos de têxteis pré-colombianos, colapsando as distinções entre passado e presente e, nas palavras de Quevedo, dando “vida a uma ancestralidade de abstração e figuras transformacionais”.
A série Cruisers de Steve Locke, incluindo Cruisers (lunch counter) (2024), emprega a figuração para capturar momentos íntimos entre homens. Essas composições servem como meditações sobre o olhar, explorando a política e os perigos do desejo. Shadow Box (1991), de Hugh Steers, capta as realidades psíquicas inquietantes de homens queer navegando em um mundo que mudou para sempre com a epidemia de AIDS. Enquanto isso, Kang Seung Lee recontextualiza materiais visuais ligados à história queer e à memória coletiva. Em Untitled (Elysian 2) (2024), Lee recria vagens de sementes e flores secas coletadas no Elysian Park, um conhecido local de encontros queer em Los Angeles. Ao memorializar essa flora, Lee pretende “[criar] esse espaço para a experiência corporal (…) por meio de um trabalho artístico que não pode ser facilmente colocado em palavras”.
A apresentação da Galeria na Frieze London une as diversas abordagens desses treze artistas à abstração e à representação, destacando seus modos de trabalho expansivos e variados. Coletivamente, as obras ressaltam a crença de Lee de que “ao conectar diferentes geografias e experiências (…) há a possibilidade de criar novos conhecimentos no processo”, apresentando uma confluência de visões artísticas que ressoam profundamente no cenário cultural atual.
