No grande cálculo do esforço atlético, a prova dos 100 metros rasos ocupa uma posição de simplicidade aterrorizante. Diferente da maratona, que permite arcos narrativos de fadiga e recuperação, ou dos esportes coletivos, que dependem da complexa interação de estratégias em equipe, o sprint é uma afirmação singular e violenta da verdade biológica. É um evento binário: ou você é rápido, ou não é. Em A Corrida dos 100 Metros (estilizado como Hyakuemu), o novo longa de animação que estreia hoje na Netflix, o diretor Kenji Iwaisawa interroga esse reducionismo brutal com uma precisão clínica, quase distanciada. O filme, adaptado do mangá de estreia de Uoto, despe o drama esportivo tradicional de seus acúmulos sentimentais para revelar uma crua questão ontológica: quando todo o valor de alguém é medido em frações de segundo, o que resta da alma humana?
A obra não chega como uma celebração da vitória, mas como uma meditação sobre a compulsão de competir. Ela posiciona a pista não como um estádio de glória, mas como um crisol de terror existencial. O protagonista, Togashi, afirma logo no início da narrativa que “quase tudo pode ser resolvido correndo os 100 metros mais rápido do que qualquer outra pessoa. Essa declaração, entregue com a confiança arrepiante de uma criança prodígio, emoldura o conflito central do filme. É um mundo onde a hierarquia social, o valor pessoal e a estabilidade emocional estão todos atados à eficiência impiedosa das fibras musculares de contração rápida. Iwaisawa, cujo trabalho anterior demonstrava uma inclinação para o inexpressivo e o absurdo, aplica aqui sua visão distinta a um tema que é geralmente tratado com sinceridade hiperemocional. O resultado é uma obra de animação que parece fisicamente pesada, um texto que arrasta o espectador para o asfalto para vivenciar a gravidade esmagadora da velocidade.
Este artigo oferece um exame exaustivo da produção do filme, de sua arquitetura narrativa, execução técnica e ressonância temática. Ele evita a hipérbole entusiástica comum no jornalismo de entretenimento em favor de um exame rigoroso dos métodos de Iwaisawa e da filosofia de Uoto. Ao dissecar o uso da rotoscopia, o design de som e a dinâmica dos personagens, descobrimos uma obra que desafia as próprias fundações do gênero de anime de esporte, apresentando, em vez disso, um retrato sombriamente realista da obsessão.
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A trajetória do autor: A evolução punk de Iwaisawa
Para apreciar plenamente as conquistas técnicas e tonais de A Corrida dos 100 Metros, deve-se contextualizar o filme dentro da carreira idiossincrática de Kenji Iwaisawa. Seu longa de estreia, On-Gaku: Our Sound, foi um marco na animação independente — um projeto realizado ao longo de sete anos com uma equipe mínima, caracterizado por um espírito de produção “punk” que favorecia a expressão bruta em detrimento do polimento. On-Gaku utilizou a rotoscopia (a técnica de traçar sobre filmagens em live-action) para capturar os movimentos desajeitados e travados de delinquentes do ensino médio descobrindo o rock and roll. Era uma comédia de letargia, onde a falta de movimento fluido era a própria piada.
Com A Corrida dos 100 Metros, Iwaisawa mantém a técnica, mas inverte a intenção. Aqui, a rotoscopia não é empregada para retratar o mundano, mas para capturar a extremidade sublime da performance atlética de elite. O contexto de produção mudou drasticamente; enquanto sua estreia foi um trabalho de guerrilha cinematográfica, A Corrida dos 100 Metros é apoiado por um formidável comitê de produção. Essa elevação nos recursos não suavizou, no entanto, as arestas do diretor. Pelo contrário, permitiu-lhe escalar sua estética “artesanal” a um nível de intensidade assustador. O filme não se parece com os produtos polidos e compostos digitalmente de grandes estúdios como MAPPA ou Ufotable. Ele mantém uma qualidade de linha vibrante e instável que sugere a tensão física das mãos dos animadores espelhando a tensão dos corpos dos corredores.
A escolha deste projeto por Iwaisawa foi impulsionada por um fascínio pelo foco do material original no “mais baixo dos baixos”. Ele afirmou em entrevistas que foi atraído pelo arco de um protagonista que perde tudo e deve rastejar de volta ao topo não através da magia da amizade, mas através do “esforço real”. Esse foco na aspereza do processo, em vez do brilho do resultado, é o que define Iwaisawa como autor. Ele está interessado nos aspectos feios e desengonçados do esforço humano — o cuspe, o suor, o vômito — e A Corrida dos 100 Metros fornece uma tela perfeitamente adequada para essa obsessão.
O estúdio: O manifesto visual da Rock ‘n’ Roll Mountain
O filme foi produzido na Rock ‘n’ Roll Mountain, o próprio estúdio de Iwaisawa, que opera com uma filosofia distinta das linhas de montagem industriais da indústria de anime de Tóquio. O próprio nome do estúdio sugere uma adesão ao espírito contracultural do rock, um tema literalizado em On-Gaku e metaforicamente presente no estilo visual rebelde de A Corrida dos 100 Metros.
No anime comercial padrão, a “linha” é uma fronteira — uma demarcação limpa e vetorial entre o personagem e o fundo. No trabalho da Rock ‘n’ Roll Mountain, a linha é uma coisa viva. Ela oscila; engrossa e afina; quebra. Essa falta de uniformidade cria uma sensação de nervosismo cinético. No contexto de A Corrida dos 100 Metros, essa instabilidade visual é crucial. Ela comunica ao espectador que os corpos na tela não são objetos sólidos e imutáveis, mas máquinas biológicas frágeis empurrando contra seus próprios limites estruturais. Quando Togashi corre, seu contorno parece borrar e distorcer, representando visualmente a deformação da percepção que ocorre em alta velocidade.
Enquanto os personagens são figuras 2D rotoscopadas, os ambientes frequentemente utilizam fundos 3D hiper-realistas ou layouts meticulosamente renderizados. Esse contraste cria um efeito dissonante, ancorando os personagens estilizados em um mundo que parece indiferente e concreto. A pista, as arquibancadas do estádio, o asfalto brilhando com a chuva — esses elementos possuem uma solidez fotográfica que torna tátil a luta dos personagens contra eles. A abordagem do estúdio evita a integração perfeita buscada por outras produções; em vez disso, abraça o atrito entre o personagem e o mundo, reforçando o tema do indivíduo lutando contra uma realidade inflexível.
O material de origem: O rigor intelectual de Uoto
O filme é uma adaptação do mangá Hyakuemu de Uoto, um autor que posteriormente ganhou atenção crítica significativa por Orbe: Sobre os Movimentos da Terra. A obra de Uoto é caracterizada por uma profunda curiosidade intelectual e uma tendência a ver o drama humano através das lentes de sistemas e leis. Em Orbe, o sistema era a mecânica celeste; em A Corrida dos 100 Metros, é a biomecânica.
A escrita de Uoto rejeita os tropos de “sangue quente” (nekketsu) dos mangás de esporte tradicionais. Não há técnicas secretas, nem auras de poder, nem chutes mágicos. Há apenas a física do corpo humano. A narrativa trata a corrida de 100 metros não como um jogo, mas como um problema a ser resolvido. A adaptação, roteirizada por Yasuyuki Muto, preserva essa distância analítica. O diálogo é muitas vezes escasso, com personagens se comunicando através de seus tempos e sua forma física, em vez de exposição. Quando falam, é frequentemente para articular o determinismo esmagador de seu esporte. Togashi observa que o mundo tem uma regra muito simples: rápido é o certo.
Essa dureza filosófica separa A Corrida dos 100 Metros de seus pares. É uma história sobre a crueldade do talento. Em muitas narrativas, o trabalho duro é o grande equalizador. O universo de Uoto postula que o trabalho duro é apenas o requisito básico para entrar na arena; ele não garante a sobrevivência, muito menos a vitória. O filme explora a falta de sentido do esforço diante da desigualdade biológica, um tema que ressoa mais com a literatura existencialista do século XX do que com o cânone da Shonen Jump.
Estética técnica: A rotoscopia como portadora da verdade
A decisão de empregar a rotoscopia para A Corrida dos 100 Metros é a aposta criativa mais significativa do filme e seu maior triunfo. Historicamente, a rotoscopia em animes — mais notavelmente em The Flowers of Evil (Aku no Hana) — encontrou resistência de públicos acostumados à abstração idealizada da animação tradicional. A técnica frequentemente cai no “vale da estranheza”, onde os movimentos parecem reais demais para os rostos estilizados. No entanto, Iwaisawa transforma essa estranheza em uma arma.
Na animação tradicional, os personagens muitas vezes se movem com uma graça sem peso. A gravidade é uma sugestão, não uma lei. Em A Corrida dos 100 Metros, a gravidade é a antagonista. A animação rotoscopada captura a realidade pesada e trabalhosa da corrida. Vemos o impacto do calcanhar, a onda de choque subindo pela tíbia, a compressão da coluna vertebral. Vemos o arrastar desajeitado dos atletas enquanto se aproximam dos blocos de partida, o tremor nervoso dos membros. Essa “crueza humanista” impede que o espectador consuma as imagens passivamente. O movimento é desconfortável; parece luta. Isso se alinha perfeitamente com o arco do personagem Komiya — um corredor que carece de graça natural e deve forçar seu corpo à obediência através de pura vontade.
A crítica do filme cristalizou-se em torno de uma sequência específica como um ponto alto para o meio: uma corrida disputada sob uma chuva torrencial perto da conclusão do filme. Iwaisawa animou essa sequência como um plano-sequência panorâmico, uma tomada contínua que segue os corredores dos blocos até a linha de chegada sem cortes. A complexidade técnica de rotoscopar uma panorâmica contínua com múltiplas figuras em movimento em meio a uma complexa simulação de partículas (a chuva) é imensa.
A chuva não é renderizada como gotas transparentes, mas como cascatas de traços cinzas que engolem o quadro. Ela oblitera as características individuais dos corredores, reduzindo-os a silhuetas lutando contra um dilúvio. Essa abstração visual serve a uma função narrativa: neste momento, a rivalidade transcende o pessoal e se torna elementar. O design de som desaparece, o mundo se estreita ao túnel cinza da pista, e a animação captura o “êxtase espiritual” do esforço total. É uma sequência que justifica o meio da animação, retratando uma realidade subjetiva que o live-action não poderia replicar.
Como se anima a velocidade sem usar “linhas de velocidade”? Iwaisawa resolve isso focando na distorção do corpo e do ambiente. À medida que os corredores aceleram, o fundo não apenas borra; ele parece deformar, como se o próprio espaço estivesse sendo comprimido pela velocidade deles. Os designs de personagens, supervisionados por Keisuke Kojima, mantêm uma soltura que permite essa distorção. Rostos esticam, membros se alongam e o traço se torna frenético. Essa abordagem transmite a violência do sprint — a sensação de que o corpo está se rasgando para se mover para frente.
Arquitetura narrativa: A dialética do talento e do esforço
A estrutura narrativa de A Corrida dos 100 Metros é construída sobre a colisão de dois arquétipos: Togashi, o natural, e Komiya, o esforçado. Essa dualidade é um pilar do gênero, mas Iwaisawa e Uoto desmantelam a estrutura moral esperada.
Togashi começa o filme como uma criança que vence sem tentar. Ele declara com neutralidade factual que nasceu para correr. Para Togashi, a velocidade é um atributo não merecido, como a cor de seus olhos. Porque ele não precisa lutar, ele não desenvolve uma “razão” para correr. Ele corre porque é o caminho de menor resistência. Essa falta de atrito leva a uma existência oca. Quando ele finalmente encontra um limite, não tem infraestrutura psicológica para lidar com o fracasso. O filme retrata o talento não como uma bênção, mas como uma armadilha. Ele isola Togashi, separando-o da experiência humana compartilhada do esforço. Seu arco é aprender a encontrar significado em uma corrida que ele pode não vencer — uma subversão da típica “mentalidade de vencedor”.
Komiya é a antítese. Ele não tem talento, nem técnica e usa tênis gastos. Ele corre para escapar da miséria de sua vida diária, para encontrar um espaço onde as regras sociais complexas da sala de aula não se aplicam. Ele admite que não tem nada, então ele corre. Para Komiya, a pista é um santuário de verdade objetiva. O cronômetro não se importa se ele é pobre ou desajeitado. Esse desespero alimenta uma obsessão que Togashi inicialmente ridiculariza, depois lamenta e, finalmente, teme. A jornada de Komiya é a de construir um eu a partir do nada além da dor. O filme não romantiza isso; o treinamento de Komiya é feio e autodestrutivo. No entanto, dá a ele um propósito. A dinâmica entre os dois é parasitária e simbiótica; Togashi ensina Komiya a correr e, ao fazê-lo, cria o rival que destruirá sua própria complacência.
O filme abrange anos, acompanhando os dois do ensino fundamental até a idade adulta. Esse escopo temporal permite uma exploração nuançada de como a rivalidade deles evolui. Eles não são companheiros constantes; eles se separam, vivem vidas diferentes e colidem novamente na pista. O filme sugere que eles são as duas únicas pessoas que realmente se entendem, unidas pelo trauma compartilhado dos 100 metros. O relacionamento deles é despojado do subtexto homoerótico frequentemente encontrado no fandom de animes de esporte, substituído por um reconhecimento mais frio e existencial. Eles são espelhos refletindo o vazio um do outro.
Arquitetura sonora: O som da respiração e do osso
A paisagem auditiva de A Corrida dos 100 Metros é tão austera e deliberada quanto seu estilo visual. A trilha sonora, composta por Hiroaki Tsutsumi, evita o bombástico orquestral que tipicamente acompanha feitos atléticos no cinema. Em vez disso, Tsutsumi emprega uma paleta eletrônica e ambiental que enfatiza o isolamento.
Hiroaki Tsutsumi, conhecido por seu trabalho em Jujutsu Kaisen e Dr. Stone, adota um modo diferente aqui. A lista de faixas revela títulos como “Pressure”, “Phantom Run”, “Yips” e “Trial and Error”. Esses títulos sugerem um foco no estado psicológico interno do atleta, em vez do drama externo da corrida. A música é descrita como leve, mas com pontadas de melancolia. Ela sublinha a solidão do velocista. Faixas como “Starts to Rain” (com quase 4 minutos de duração) provavelmente acompanham a sequência climática crucial, construindo uma parede de som que iguala a intensidade visual. O uso de elementos eletrônicos alinha o filme com a natureza moderna e industrial do esporte — a pista sintética, o relógio digital, o corpo biomecânico.
O design de som prioriza o físico. Ouvimos os pés batendo com precisão rápida contra o solo, as respirações ofegantes de corredores exaustos, o sacudir dos tornozelos. Em muitas cenas, a música desaparece completamente, deixando apenas o som do vento e da respiração. Esse uso do silêncio é uma assinatura da direção de Iwaisawa. Ele cria tensão. O silêncio antes do tiro de partida é ensurdecedor, um vácuo que suga o ar da sala. Quando a arma dispara, a explosão de som atua como uma liberação física para o público. A competição encharcada de chuva utiliza o ruído branco do aguaceiro para criar um casulo sônico, isolando os corredores do resto do mundo.
Dublagem: Uma abordagem naturalista
O elenco do filme reflete seu tom fundamentado, utilizando atores capazes de entregar nuances em vez de melodrama. Os papéis narrativos são delineados nitidamente pela performance vocal.
Tori Matsuzaka dá voz ao Togashi adulto, capturando o cansaço de um “prodígio enfrentando o declínio” — um homem que foi definido por uma única métrica por toda a vida. A fase mais jovem do personagem, o “vencedor sem esforço”, é dublada por Atsumi Tanezaki, garantindo que a transição da criança confiante para o adulto problemático seja palpável. Oposto a ele, Shota Sometani retrata o Komiya adulto, incorporando o “azarão obsessivo” com uma energia nervosa e frenética que combina com o movimento rotoscopado, enquanto Aoi Yuki dá voz à versão infantil de Komiya.
Apoiando a rivalidade central, há um elenco que dá corpo ao ecossistema atlético. Koki Uchiyama interpreta Zaitsu, o “observador tático”, e Kenjiro Tsuda empresta sua voz a Kaido, a “presença veterana”. Rie Takahashi dá voz a Asakusa, servindo como a “ponte para a realidade social”, enquanto Yuma Uchida retrata Kabaki, representando o “futuro padrão de classe mundial”.
A direção evita o “grito de anime” — a tendência dos personagens de externalizar seus pensamentos internos em alto volume. Em vez disso, os personagens murmuram, respiram e sofrem em silêncio. O diálogo frequentemente se sobrepõe ou é engolido pelo ruído ambiente, realçando a sensação documental.
Análise comparativa: Desconstruindo o gênero
A Corrida dos 100 Metros existe em diálogo com a história dos animes de esporte, posicionando-se especificamente contra os tropos dominantes do gênero.
Sucessos mainstream como Haikyuu!! focam na dinâmica de equipe, na estratégia e no “poder da amizade”. Blue Lock foca no egoísmo, mas o trata como um superpoder. A Corrida dos 100 Metros rejeita ambos. Não há time em uma corrida de 100 metros. Não há estratégia além de “corra rápido”. O filme remove a gamificação dos esportes. Não há estatísticas, nem níveis de poder, nem movimentos especiais. Há apenas o relógio. Esse realismo o torna menos um anime de esporte e mais um drama que acontece em uma pista de atletismo.
A comparação mais frequente é com Ping Pong the Animation de Masaaki Yuasa. Ambos os filmes apresentam uma animação idiossincrática, um foco em dois rivais (um talentoso/preguiçoso, um sem talento/obsessivo) e uma trilha eletrônica. No entanto, onde Ping Pong acaba abraçando uma espécie de alegria Zen no ato de jogar, A Corrida dos 100 Metros permanece ambivalente. Togashi e Komiya não encontram a iluminação; eles encontram apenas a próxima corrida. O filme sugere que o “herói” nunca vem; há apenas o corredor e o limite de seu próprio corpo. A Corrida dos 100 Metros é o irmão mais sombrio e cínico da obra-prima de Yuasa.
Profundidade temática: Por que corremos?
A questão central do filme é o “Por quê?”. Por que dedicar uma vida a correr uma distância que leva dez segundos? Por que sofrer a agonia do treinamento para um resultado que é amplamente determinado pela genética?
O filme postula que correr é uma tentativa de impor ordem a um universo caótico. Ao reduzir a vida a uma única raia e um único destino, os corredores criam um significado temporário. No entanto, esse significado é frágil. No momento em que a corrida termina, a complexidade da vida retorna. Este é o atoleiro existencial que os personagens habitam. Eles correm para escapar do vazio, mas a linha de chegada é apenas outra borda do vazio.
Apesar da melancolia, o filme reconhece o poder transcendente do esporte. O “êxtase espiritual” capturado na animação do sprint sugere que, por aqueles dez segundos, o corredor existe em um estado de ser puro. Eles estão libertos de seus papéis sociais, de seus passados e de seus futuros. Eles são simplesmente movimento. O filme reverencia esse estado mesmo enquanto questiona o custo de alcançá-lo. É um olhar meditativo sobre como a corrida representa as provações da vida.
Conclusão: A parcial final
A Corrida dos 100 Metros é uma obra exigente. Ela se recusa a oferecer a catarse fácil de uma medalha de ouro. Pede ao público que encontre beleza na própria luta, na distorção grotesca do rosto em velocidade máxima, no silêncio do vestiário após uma derrota. Kenji Iwaisawa criou um filme que parece singular na paisagem atual da animação — um filme de arte “punk” disfarçado de filme de esporte. Ele valida o experimento da Rock ‘n’ Roll Mountain, provando que a rotoscopia pode transmitir uma verdade que a animação tradicional não pode: o peso do corpo humano e o fardo da alma humana.
O filme é um testamento às possibilidades ilimitadas da animação. Ele afirma que uma história sobre dois homens correndo em linha reta pode abranger todo o espectro da ambição, do fracasso e da redenção. É um sprint que parece uma maratona, deixando o espectador sem fôlego não pela velocidade, mas pela intensidade do esforço.
Informações de lançamento
A Corrida dos 100 Metros está disponível para streaming globalmente a partir de hoje na Netflix.
