Marc Chagall, o pintor que transformou a dor em cor e a perda em voo

Marc Chagall

Photo: Hugo Erfurth / Public domain, via Wikimedia Commons

Nascimento	7 de julho de 1887 Lyozna, near Vitebsk, Russian Empire (now Belarus)
Falecimento	28 de março de 1985 (97)
Ocupação	Pintor
Prêmios	Wolf Prize in Arts 1981 · Erasmus Prize 1960 · Grand Cross, Légion d’Honneur 1978 · Venice Biennale Prize · Carnegie Prize (3rd prize) 1939

Ninguém na arte moderna flutuou como Chagall. Não em ambição — mas literalmente: suas figuras pintadas se elevam do chão e pairam, se abraçam no ar, flutuam sobre vilarejos em chamas e ruas provincianas tranquilas, indiferentes à gravidade. Essa suspensão não era fantasia nem Surrealismo. Era, para Chagall, a descrição mais precisa do que o amor parecia, do que a memória parecia, do que significava carregar um mundo dentro de você que o mundo exterior já havia decidido destruir.

Moishe Shagal nasceu em Lyozna, um vilarejo perto de Vitebsk, no que hoje é Belarus, em uma grande família judia no Pale of Settlement — seu pai era funcionário de um comerciante de arenque, sua mãe administrava uma mercearia em casa. A própria Vitebsk, onde a família se estabeleceu, era uma cidade provinciana de médio porte animada pela vida comunitária judaica que moldaria permanentemente o vocabulário visual de Chagall: o mercado do shtetl, a cerimônia de casamento, o violinista de rosto verde em um telhado que toca porque a música é tudo o que resta quando tudo o mais é tirado. Ele treinou com o pintor local Yehuda Pen, depois mudou-se para São Petersburgo para estudar com Léon Bakst — que reconheceu, sem saber bem o que fazer com isso, um aluno que não tinha interesse em pintar nada que correspondesse à realidade externa como os outros concordavam em vê-la.

Ele chegou a Paris em maio de 1911 com uma bolsa de seu patrono Max Vinaver, instalou-se em La Ruche — a “colméia”, uma residência barata para artistas em Montparnasse que também abrigou Fernand Léger e Amedeo Modigliani — e começou a produzir trabalhos que Guillaume Apollinaire chamaria de “surnaturel!” (sobrenatural), uma cunhagem que precedeu o Surrealismo em uma década. Ele não era cubista nem fauvista, embora tenha estudado ambos com a atenção de um artesão que entendia que o objetivo não era se juntar a uma escola, mas usar o que as escolas haviam descoberto e depois ir para outro lugar. Em I and the Village (1911) — uma pintura tão estruturalmente audaciosa que parece montada a partir de detritos de sonhos — um camponês de rosto verde enfrenta uma vaca de olhos verdes através de um círculo dividido, uma mulher anda de cabeça para baixo ao fundo, e tudo se coesa em algo que parece, impossivelmente, como uma memória de um lugar. Não um registro. Um sentimento.

Ele deveria ficar na Rússia brevemente. Foi para Vitebsk no verão de 1914 para ver Bella Rosenfeld, a mulher com quem se casaria — e a Primeira Guerra Mundial fechou a fronteira. Ele ficou preso por oito anos. Casaram-se em julho de 1915; sua filha Ida nasceu no ano seguinte. Após a Revolução, foi nomeado Comissário de Artes de Vitebsk e fundou a Escola de Arte Popular de Vitebsk — um gesto utópico que durou até ele convidar Kazimir Malevich para lecionar lá. Malevich chegou com o Suprematismo, a doutrina da abstração geométrica pura, e começou a converter o corpo docente. Em maio de 1920, a escola que Chagall havia construído estava sendo administrada por pessoas que acreditavam que a figura humana não tinha futuro na arte. Ele renunciou e partiu para Moscou, depois Berlim, depois Paris. Essa derrota importava: a discussão entre a pintura figurativa e emocionalmente enraizada de Chagall e o programa abstrato de Malevich não era meramente uma disputa de escola de arte. Era uma disputa sobre se a arte poderia ser humana e ainda assim moderna.

De volta a Paris em 1923, cidadão francês em 1937, Chagall entrou em um período de grande trabalho institucional — as gravuras da Bíblia encomendadas pelo marchand Ambroise Vollard, ilustrações para as Fábulas de La Fontaine, uma reputação crescente que deveria ter garantido tudo. Em vez disso, a Europa se aproximava de sua catástrofe. Em 1938, o ano da Kristallnacht, ele pintou White Crucifixion: Cristo na cruz vestido com um xale de oração judaico, a mortalha um talit, cercado por sinagogas em chamas, refugiados fugindo, rolos da Torá consumidos pelo fogo. É a pintura mais explicitamente política que ele já fez, e argumenta algo que a maioria de seus outros trabalhos argumenta mais silenciosamente: que o sofrimento judeu não é um problema especializado, mas universal, e que toda grande imagem religiosa carrega a memória de sua própria perseguição. O Papa Francisco mais tarde a nomeou uma de suas pinturas favoritas.

Ele fugiu da França ocupada em 1941 através do Emergency Rescue Committee. Sua esposa Bella morreu de uma infecção estreptocócica em Nova York em 2 de setembro de 1944. Chagall parou de pintar por nove meses — o silêncio mais longo de sua vida adulta. Quando voltou ao trabalho, voltou-se cada vez mais para o vitral: luz que passa através em vez de refletir, cor como algo em que você vive dentro em vez de ficar na frente. As encomendas de vitrais que dominaram suas décadas finais não foram um declínio para o trabalho decorativo. Foram a extensão lógica do que ele sempre fez — fazer o espectador habitar um mundo em vez de observá-lo de uma distância segura.

De volta à França a partir de 1948, estabelecendo-se eventualmente em Saint-Paul-de-Vence, ele acumulou encomendas públicas em uma escala que poucos pintores na história igualaram: doze vitrais no Hadassah Hebrew University Medical Center em Jerusalém (1962), o teto da Ópera de Paris (1964), a Peace Window nas Nações Unidas (1964, in memoriam Dag Hammarskjöld), dois murais para o Metropolitan Opera em Nova York (1966), as America Windows no Art Institute of Chicago (1977). Picasso, não dado a conceder muito, disse: “Quando Matisse morrer, Chagall será o único pintor restante que entende o que a cor realmente é.”

O problema crítico com o legado de Chagall é precisamente a coisa que o tornou famoso: o rótulo de “artista judeu”. Para algumas instituições e críticos, tem sido uma honraria — reconhecimento de que seu trabalho preservou um mundo cultural obliterado na Shoah, que suas pinturas da vida no shtetl de Vitebsk constituem um documento insubstituível de algo que não existe mais. Para outros, o rótulo tem sido uma redução: um grande pintor modernista achatado em uma categoria étnica. O próprio Chagall nunca aceitou a simplificação. Sua imagética se baseava no folclore judeu e no Antigo Testamento, mas também na arte popular russa, no catolicismo (White Crucifixion é uma imagem cristã tanto quanto judaica), e em uma mitologia puramente pessoal que precedia qualquer categoria religiosa ou étnica. Ele não era o Picasso judeu mais do que Picasso era o Chagall espanhol. A posição mais honesta é que suas origens são reais e seu trabalho as escapa — que é a única coisa interessante que as origens jamais fazem.

Marc Chagall morreu em 28 de março de 1985, em Saint-Paul-de-Vence, aos 97 anos. O Musée National Marc Chagall em Nice — inaugurado em 1973, construído para abrigar seu ciclo Biblical Message, que ele doou ao Estado francês — permanece ativo. Em 2026, uma exposição no Musée Chagall intitulada “Chagall at Work” documenta seu processo em várias mídias. Seus vitrais em Jerusalém ainda capturam a luz na sinagoga Hadassah manhã após manhã. Seu mundo pintado — o violinista verde, os amantes flutuantes, o azul luminoso impossível da noite de Vitebsk — continua a fazer o argumento que sempre fez: que o século que tentou eliminar aquele mundo não conseguiu.

Tags: artists, pintores, Ambroise Vollard, arte moderna, Bella Chagall, Crucificação branca

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