Alex Katz, o pintor que apostou na figura humana enquanto a abstração dominava

Alex Katz

Photo: Unknown / CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Nascimento	24 de julho de 1927 Brooklyn, New York, United States
Ocupação	Pintor
Prêmios	John Simon Guggenheim Memorial Fellowship (1972) · American Academy and Institute of Arts and Letters (1988) · Lifetime Achievement Award, National Academy of Design (2007) · National Medal of Arts (2024)

A pergunta que Alex Katz nunca se preocupou em responder foi aquela que a pintura americana passou as décadas de 1950 e 1960 insistindo ser a única que valia a pena fazer: o que significa pintar de dentro para fora? Os expressionistas abstratos tinham uma resposta — gesto, escala, necessidade psíquica. Katz tinha um projeto diferente. Ele queria pintar o rosto de Ada exatamente como aparecia na luz da tarde, e não estava particularmente interessado em teorizar sobre isso.

O que ele fazia era mais difícil de descartar do que parecia. No mesmo ano em que as pinturas de gotejamento de Jackson Pollock dominavam a conversa, Katz desenvolvia um estilo que achatava tudo — forma, sombra, hierarquia — em grandes campos de cor interrompidos pelo contorno específico de um rosto, uma árvore, um vestido de festa. Ele cresceu no Queens, filho de imigrantes judeus de Odessa. Seu pai teve uma fábrica lá antes de a revolução soviética encerrar esse capítulo da história da família. Katz estudou na Cooper Union no final dos anos 1940, depois passou um verão formativo na Skowhegan School, no Maine, encontrando uma paisagem para a qual retornaria pelo resto da vida. Sua primeira exposição individual foi em 1954 na Roko Gallery. Na década seguinte, ele destruiu cerca de 1.000 telas — não por desespero, mas por precisão. Ele estava procurando algo específico e jogou fora tudo o que não era aquilo.

O que ele encontrou foi um modo de pintar que devia tanto às xilogravuras japonesas e ao cinema quanto à tradição americana. As obras em grande escala que começou a produzir no início dos anos 1960 tinham a certeza gráfica de cartazes. The Black Dress (1960) mostrava Ada seis vezes no mesmo vestido preto de cocktail, dispostas como uma folha de contato de filme. The Red Smile (1963), com quase três metros de largura, colocava seu perfil contra uma extensão de vermelho que funcionava menos como fundo do que como atmosfera — a cor de um quarto do qual você não podia sair. Blue Umbrella I (1972) aumentou ainda mais a aposta, alcançando dimensões que a aproximavam mais da arquitetura do que da pintura. O Katz mais caro a ir a leilão, ultrapassou três milhões de libras esterlinas. Nada disso veio de perseguir o mercado. O mercado chegou lentamente, ao longo de décadas, e encontrou um pintor que vinha fazendo os mesmos movimentos calculados o tempo todo.

As ambições públicas também eram literais. Em 1977, Katz instalou um outdoor na Times Square: 23 cabeças de retrato em 247 pés de extensão, 20 pés de altura. Três anos depois, completou um mural para o U.S. Attorney’s Building na Foley Square. O trabalho estava escalando para fora enquanto sua lógica permanecia inteiramente interior — rostos, lugares, luz.

Ada Del Moro, que Katz conheceu na abertura de uma galeria em 1957 e com quem se casou em 1º de fevereiro de 1958, tornou-se o tema de mais de 250 retratos ao longo do casamento. Ela é uma das mulheres mais pintadas na história da arte americana, mas as pinturas resistem à interpretação psicológica de uma maneira que deixou os críticos desconfortáveis. Elas não dizem o que Ada está pensando. Elas dizem o que a luz estava fazendo no momento em que Katz olhou. Se isso é uma limitação ou um princípio tem sido o debate central sobre seu trabalho por 60 anos.

Esse debate merece ser examinado diretamente. A planura do afeto nos retratos de Katz — a superfície que fornece informações sobre postura, cor e o corte de um casaco, mas retém o drama interior que a pintura a óleo historicamente deveria revelar — é lida por alguns críticos como evasão. Robert Storr identificou na obra “um novo e distinto tipo de realismo na arte americana que combina aspectos tanto da abstração quanto da representação”, que é uma maneira de descrevê-la. Outra é que Katz encontrou uma forma de fazer o espectador fornecer a psicologia que o pintor reteve, e que esse ato de reter é em si uma forma de controle. As pinturas não confidenciam. Elas apresentam.

Desde 2022 ele vem trabalhando a partir de fotografias de iPhone — o mesmo olhar analítico aplicado a um novo material de origem. A série Four Seasons, exibida na SCAI PIRAMIDE em Tóquio no verão de 2025, traduziu instantâneos do Maine em telas de grande escala com a mesma clareza governante que ele aplicou a tudo. Uma série de lótus brancos se seguiu, desta vez a partir de fotografias da praia do Maine. No final de 2025, novas pinturas na Gladstone Gallery em Nova York exploraram uma única laranja contra fundo branco — estradas do Maine, reduzidas à sua temperatura essencial.

Ele completou 99 anos em 24 de julho de 2026. Nos meses em torno desse aniversário, seu trabalho apareceu em Tübingen, Londres, Salzburgo e Seul. O Colby College Museum of Art, no Maine, montou uma exposição de desenhos. A National Medal of Arts, que ele recebeu na Casa Branca em outubro de 2024, destacou seu trabalho por conjurar um retrato duradouro da América. O que Katz realmente conjurou é mais específico que isso: um retrato duradouro do que custa olhar cuidadosamente para coisas comuns por 70 anos e resistir à pressão de explicar o que se encontra.

Tags: artists, artistas visuais, arte americana, Ada Katz, Alex Katz, Blue Umbrella I