Lee Ufan, o artista coreano que transformou pedra e aço em filosofia

Lee Ufan

Nascimento	24 de junho de 1936 Seoul
Ocupação	Pintor e escultor
Prêmios	Ordem do Mérito Cultural · Prêmio Ho-Am nas Artes · Legião de Honra

Lee Ufan passou a maior parte da vida profissional tentando fazer menos. Uma pedra enorme pousada diante de uma chapa de aço bruto. Uma pincelada cinza arrastada por uma tela do tamanho de uma parede até o pincel secar. Ele chama isso de uma arte do encontro, não da criação, e defende essa ideia em ensaios e nos jardins de museus, de Naoshima a Versalhes. O problema, se é que há um, é que o mínimo se tornou inconfundível. Colecionadores reconhecem um Lee em meio à multidão de uma feira, as casas de leilão sabem quanto vale cada pincelada, e o artista que se propôs a recuar diante do objeto está agora, aos noventa anos, no centro de uma celebração do próprio nome que se estende por cinco países.

O hábito de olhar com atenção para muito pouco começou cedo. Ele cresceu no sul da península coreana, ainda sob domínio japonês, no condado de Haman e, mais tarde, em Busan, onde um avô confucionista cuidou para que aprendesse caligrafia, pintura a tinta e os clássicos chineses em casa. Lee já disse que sempre preferiu os livros aos pincéis. Matriculou-se no curso de pintura da Universidade Nacional de Seul, ficou lá apenas alguns meses e depois foi ao Japão a serviço da família, levando remédios para um tio doente. O tio lhe disse que ficasse. Ele ficou e, em vez disso, dedicou-se à filosofia.

Em 1961, Lee, nascido em 24 de junho de 1936, já tinha um diploma em filosofia pela Universidade Nihon, em Tóquio, e uma obsessão particular por Martin Heidegger. Uma breve volta à Coreia do Sul o colocou em conflito com o governo militar e, em meados dos anos 1960, ele já estava de volta ao Japão, escrevendo tanto quanto pintava. Sua primeira exposição individual foi aberta na Sato Gallery, em Tóquio, em março de 1967. Em 1969, seu ensaio “From Object to Being” ganhou um prêmio da crítica, e seus textos sobre o escultor Nobuo Sekine deram uma base teórica ao que Sekine havia feito num parque de Kobe, em 1968: cavar um buraco cilíndrico profundo e colocar a terra retirada ao lado, formando uma coluna. Essa obra, Phase—Mother Earth, tornou-se o marco fundador da Mono-ha, a Escola das Coisas.

Lee se tornou o teórico do movimento e sua voz mais eloquente. Reunidos em 1971 no livro In Search of Encounter, seus ensaios defendiam que a arte deveria deixar de fabricar imagens e, em vez disso, colocar coisas, pessoas e espaço em contato, apresentando o mundo, nas palavras dele, como ele é. A escultura veio depois da escrita. Em Phenomena and Perception B, ele deixou uma pedra cair sobre uma placa de vidro e permitiu que as rachaduras seguissem o próprio curso. Desde o início dos anos 1970, deu a quase todas as suas esculturas um único título, Relatum: pedras ao lado de placas de aço, vidro, algodão ou borracha, cada uma delas uma relação, não um objeto. Quatro décadas depois, ele remontou a obra com vidro no Guggenheim, curvando-se sobre a placa com a pedra enorme nas mãos.

A pintura voltou numa forma mais rigorosa. As séries From Point e From Line, exibidas pela primeira vez na Tokyo Gallery em 1973, são feitas com pigmento mineral moído e ligado com cola de pele animal, materiais da tradição nihonga que ele havia assimilado. Cada marca recebe uma única carga de tinta e é repetida até o pincel se esgotar, de modo que os pontos e as linhas vão desaparecendo pela tela como uma respiração que chega ao fim. Em 1975, Lee foi consultor de Five Korean Artists, Five Kinds of White, na mesma galeria, exposição com Park Seo-bo e outros quatro pintores que lançou a dansaekhwa, a pintura monocromática coreana, como movimento. Ele lecionou na Universidade de Arte Tama de 1973 a 2007 e há muito divide seu tempo entre Kamakura e Paris.

As obras posteriores eliminam quase tudo. With Winds, pintada entre 1987 e 1991, deixou pinceladas mais soltas e rápidas cruzarem a superfície. Correspondence, iniciada em 1991, reduziu a tela a uma ou duas marcas cinza-azuladas de óleo e pedra triturada, enquanto as pinturas de Dialogue, das últimas duas décadas, contrapõem uma única pincelada quadrada, construída em muitas camadas, a um amplo campo branco. As instituições vieram em seguida: a primeira retrospectiva nos Estados Unidos, no Guggenheim, em 2011; os jardins de Versalhes, em 2014; e toda a praça do Hirshhorn, em Washington, em 2019. Hoje, três museus levam seu nome: um na ilha de Naoshima, projetado por Tadao Ando em 2010; o Space Lee Ufan, em Busan, desde 2015; e o Lee Ufan Arles, instalado numa mansão reformada por Ando, desde 2022.

É aí que o argumento começa a ficar incômodo. Uma arte que não cria acabou sendo extremamente fácil de entender, e uma única pincelada cinza é fácil de reconhecer — e, como o mercado descobriu, de copiar. Uma tela de From Line, de 1976, foi vendida na Sotheby’s em 2014 por US$ 2.165.000 e, entre 2000 e 2011, mais obras dele figuraram entre os cem maiores preços em leilões coreanos do que as de qualquer outro artista. Em 2016, a polícia de Seul e o Serviço Nacional de Perícia Forense declararam falsificadas treze pinturas atribuídas a ele. Lee examinou as telas pessoalmente, disse que eram suas e reclamou que os investigadores o pressionaram a admitir que algumas não eram. Os tribunais deram razão à polícia: em 2017, juízes de Seul condenaram à prisão, por penas de até sete anos, os comerciantes de arte e um pintor envolvidos nas falsificações. Ficou no ar uma pergunta incômoda sobre um artista que fala em retirar o eu da obra: se a mão importa tão pouco, quem decide de quem era aquela mão? A historiadora da arte Joan Kee certa vez o chamou de homem que estava em toda parte e em lugar nenhum — e a frase funciona nos dois sentidos.

Nada disso o desacelerou. Lee completou noventa anos em 24 de junho, e o ano foi organizado em torno dele. A Dia inaugurou em maio uma apresentação de longa duração na Dia Beacon, com oito pinturas que ele doou à instituição em 2025, e uma mostra panorâmica no San Marco Art Centre, em Veneza, evento paralelo à Bienal aberto até 22 de novembro. Em julho, o Palais des Papes, em Avignon, abriu quatro instalações adaptadas às capelas, à cozinha e ao claustro do palácio papal, como parte das comemorações pelos 140 anos de relações diplomáticas entre França e Coreia; elas ficam em cartaz até 15 de novembro. Em 16 de outubro, a Fundação Serralves, no Porto, inaugura Fragments of Infinity, sua primeira grande exposição em Portugal, com uma pintura feita para a villa.

Depois vem Colônia. O Museum Ludwig concederá a Lee o Prêmio Wolfgang Hahn em 6 de novembro e abrirá uma exposição individual no dia seguinte, em cartaz até 4 de abril de 2027, com até € 100 mil reservados para comprar uma obra sua para o acervo. Lee sempre disse que a pedra importa tanto quanto a mão que a posiciona. Em Colônia, assim como no Porto e em Avignon neste outono, a mão continuará sendo a dele.

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