Charlotte Wells: quatro anos depois de Aftersun, ainda de costas para Hollywood

Charlotte Wells

Photo: F. E. Willard & M. A. R. Livermore / Public domain, via Wikimedia Commons

Nascimento	13 de junho de 1987 Edinburgh, Scotland
Ocupação	Cineasta
Conhecido por	Aftersun
Prêmios	3 BAFTA · Directors Guild of America · British Independent Film Awards Best Director · British Independent Film Awards Best Film

A estreia na direção britânica mais celebrada desta década começou com imagens que pareciam um vídeo caseiro encontrado em uma gaveta — instáveis, desbotadas pelo sol, insuportavelmente privadas. Quatro anos depois, a cineasta por trás disso não está navegando por uma lista de desenvolvimento de estúdio. Ela está em Albany, Nova York, visitando uma professora de bateria cujos ex-alunos já ancoraram o Luscious Jackson, observando-a relembrar uma vida em uma cidade que já não pertence às pessoas que a construíram.

Charlotte Wells não se move da forma que a indústria esperava. O BAFTA, o prêmio do Directors Guild, a indicação ao Oscar que envolveu a atuação de Paul Mescal em seu filme — tudo isso criou um tipo particular de pressão, a que tende a produzir um filme seguinte desenhado para confirmar a inteligência da estreia com um orçamento maior. Ela escolheu, até agora, fazer curtas-metragens.

Ela cresceu no bairro de Morningside, em Edimburgo, estudou na George Heriot’s School, e se mudou para o sul e depois para o leste: Letras Clássicas no King’s College London, uma pós-graduação em Oxford, e então Nova York no meio dos seus vinte anos para a Tisch School of the Arts da NYU, onde estudou produção e se formou com um duplo MFA e MBA. Ela veio para Nova York para produzir. Acabou escrevendo e dirigindo, não porque alguém lhe dissesse, mas porque o trabalho que a atraía exigia isso. Em algum lugar no fundo de todas essas transições estava o fato da morte de seu pai quando ela tinha dezesseis anos — uma perda que ela passaria as duas décadas seguintes abordando de forma oblíqua.

Seus curtas-metragens marcaram o território cedo. Tuesday, de 2015, abria com a morte de um pai. Laps, um ano depois, retratava agressão e isolamento urbano com a compressão de uma cineasta que já entendia que o silêncio custa menos que a explicação — ganhou um Prêmio Especial do Júri para Edição em Sundance e Reconhecimento Especial do Júri no SXSW. Blue Christmas, em 2017, voltava-se para a disfunção familiar no momento mais formalmente codificado do ano. Através dos três, uma sensibilidade se tornava visível: interessada no que não é mostrado, no que se move no quadro enquanto o personagem central está olhando para o lado.

Aftersun levou oito anos. Wells começou a juntá-lo enquanto folheava fotos antigas de férias de verão que passara com o pai — viagens para um resort na costa turca, a qualidade particular da luz naquela latitude. O que emergiu não foi autobiografia em nenhum sentido documental, mas algo mais difícil de categorizar: um filme em que uma jovem escocesa, Sophie, assiste a imagens de uma viagem que fez com o pai quando tinha onze anos, e encontra nessas imagens uma dor que teria sido impossível montar na época. Paul Mescal interpretou o pai, Calum, aproximando-se de seu trigésimo primeiro aniversário em 1999 com um peso que o filme se recusa a nomear. Frankie Corio interpretou a jovem Sophie com a precisão de uma criança que entende mais do que lhe é permitido mostrar. O filme estreou na Semana da Crítica do Festival de Cannes e alcançou o público nos Estados Unidos através da A24.

A resposta crítica foi intensa e imediata, mas seus termos às vezes eram mais estreitos que o próprio filme. Críticos recorreram a “devastador” e “profundamente pessoal” — ambos precisos, ambos um pouco fora do foco. O que Aftersun realmente faz é mais desconfortável: recusa-se a entregar a cena que permitiria ao espectador entender o que aconteceu com Calum. Sua depressão, sua precariedade, a implicação do filme de que ele pode não ter sobrevivido muito mais — tudo permanece no registro da suspeita, não da confirmação. Um espectador que quer que o filme resolva sua tragédia deve sentar-se com a possibilidade de que não o fará. Isso fez dele uma das estreias mais formalmente interessantes do cinema britânico em anos, e também o tornou mais difícil de comercializar, o que a A24 conseguiu mesmo assim.

Mescal recebeu indicações ao Oscar e ao BAFTA de Melhor Ator. Wells ganhou o BAFTA de Melhor Estreia de um Roteirista, Diretor ou Produtor Britânico e o prêmio do Directors Guild of America para primeira direção de longa-metragem. O filme acumulou mais de cem indicações e trinta e três prêmios em todo o circuito. O New York Times o colocou em 78º lugar em sua classificação de 2025 dos melhores filmes do século XXI.

No BAFTA, Wells usou seu discurso de agradecimento para falar publicamente sobre sua própria identidade em uma sala que nem sempre havia criado espaço para ela. O filme que ela havia feito, e a cineasta que ela se tornara ao fazê-lo, não eram duas coisas separadas.

Os quatro anos desde então não produziram um segundo longa. Produziram um videoclipe para a música Romy, um novo curta no Festival de Cinema de Nova York de 2026, e uma declaração pública de intenção criativa. Esse filme, New York Never Let Me Down, dura catorze minutos e visita Paula Spiro, uma professora de bateria em Albany cujos ex-alunos incluem Kate Schellenbach do Luscious Jackson, e que está entre os idosos queer sendo deslocados da cidade que ajudaram a moldar. Wells descreveu seu próximo projeto como algo informado por News from Home, de Chantal Akerman — filmado rapidamente, com qualquer câmera que esteja por perto, mais próximo do instinto do que do design de produção. Uma cinebiografia do Blondie, com o endosso de Debbie Harry e Florence Pugh cotada para o papel principal, existe em uma linha do tempo diferente. Se essas duas linhas do tempo algum dia se encontrarão, e em que termos, é a questão que os próximos anos vão resolver.

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