Lucio Fontana: o argentino que furou a tela e abriu a pintura para o espaço

Lucio Fontana

Photo: DarioBurul1 / CC0, via Wikimedia Commons

Nascimento	19 de fevereiro de 1899 Rosario
Falecimento	7 de setembro de 1968 (69)
Ocupação	Escultor e pintor
Prêmios	Grande Prêmio de Pintura, Bienal de Veneza · Medalha de Prata de Valor Militar

Fazer um corte numa tela leva cerca de um segundo. Essa é a armadilha que Lucio Fontana preparou para quem fica diante de uma de suas Attese: o gesto parece tão fácil que o olhar se recusa a aceitá-lo como obra, e tão definitivo que ninguém conseguiu repeti-lo sem dar a impressão de estar citando Fontana. Ele nunca pintou uma imagem do espaço. Abriu a superfície, revestiu a ferida com gaze preta e deixou que a escuridão por trás dela entrasse na imagem, transformando o suporte mais antigo da pintura ocidental em um objeto que tem um interior.

O corte veio no fim de um longo desvio que as telas brancas e depuradas tendem a esconder. Seu pai, Luigi Fontana, era um escultor italiano que trabalhava em Rosario, na província argentina de Santa Fé, e foi lá que Lucio nasceu, no último inverno do século XIX. Ele foi criado pelo pai e pela madrasta, Anita Campiglio, e, aos seis anos, foi enviado à Itália para estudar. Quando veio a Primeira Guerra Mundial, alistou-se como voluntário, chegou ao posto de segundo-tenente de infantaria e foi ferido na frente do Carso; voltou para casa com uma medalha de prata por bravura militar.

Depois da guerra, voltou a Rosario, onde havia nascido em 19 de fevereiro de 1899, trabalhou no ateliê do pai e, em seguida, abriu o próprio estúdio, já se afastando do realismo paterno em direção aos corpos angulosos de Alexander Archipenko. Em 1927, estava novamente em Milão, matriculado na Academia de Brera, onde estudou com o escultor Adolfo Wildt e teve Fausto Melotti como colega. Wildt o via como herdeiro de seu mármore polido e maneirista. A resposta de Fontana, como contou em 1963, foi abandonar a academia, moldar grosseiramente um pedaço de gesso para que parecesse um homem sentado e despejar piche sobre ele. Queria, disse, seguir um caminho inteiramente seu. Sua primeira exposição individual veio em 1930, na Galleria del Milione, em Milão.

Ao longo dos anos 1930, trabalhou em duas direções ao mesmo tempo. Em Albisola, na costa da Ligúria, criou cerâmicas de cores intensas e formas quase líquidas; em 1935, juntou-se ao grupo parisiense Abstraction-Création. A outra direção costuma ser deixada de lado nas retrospectivas.

Há registros de Fontana como membro dos Fasci di Combattimento desde 1920, e boa parte de sua escultura pública nos anos 1930 foi produzida para o regime. Ele apresentou Vittoria fascista na Bienal de Veneza de 1930 e, naquele mesmo ano, modelou um busto de Mussolini. Em 1936, seu grupo escultórico Vitória ocupou o salão de honra da Trienal de Milão, rebatizado de Salão do Triunfo para celebrar a invasão da Etiópia; a nova sede da federação fascista de Milão recebeu um relevo no teto com cinco Vitórias aladas e armadas, carregadas de despojos de guerra. Depois de 1945, o edifício virou um posto dos Carabinieri. Nada disso apaga o que veio depois, mas complica a imagem de um artista que teria nascido puro para a era espacial. O homem que escreveria manifestos sobre a matéria se dissolvendo na luz passou anos dando corpo a um mito político, e é difícil não interpretar seu abandono posterior da figura, em parte, como uma saída daquela cultura de encomendas.

A Segunda Guerra Mundial o levou de volta à Argentina por sete anos, enquanto os bombardeios aliados destruíam seu ateliê em Milão e tudo o que havia nele. Em Buenos Aires, fundou a academia Altamira com um grupo de estudantes, em 1946, e ajudou a redigir o Manifiesto Blanco, que não assinou, mas cuja elaboração claramente influenciou: segundo o texto, matéria, cor e som em movimento formariam a nova arte. De volta a Milão, em 1947, lançou o Espacialismo com Beniamino Joppolo, Giorgio Kaisserlian e Milena Milani, e continuou publicando manifestos até 1952.

As ideias logo se transformaram em objetos. Em 1949, na Galleria del Naviglio, apresentou o Ambiente spaziale a luce nera, uma sala escura onde uma grande forma semelhante a uma ameba ficava suspensa sob luz ultravioleta, frequentemente apontada como uma das primeiras instalações no sentido moderno do termo. Naquele mesmo ano, começou a perfurar telas com um furador, na série conhecida como Buchi, e passou a dar a quase todas as pinturas posteriores o título genérico Concetto spaziale. Em 1951, com o arquiteto Luciano Baldessari, instalou uma linha de néon sinuosa acima dos visitantes da IX Triennale; a obra está hoje no Museo del Novecento, em Milão.

Os cortes surgiram no fim de 1958 e foram apresentados no ano seguinte. Com o tempo, ficaram mais raros e precisos, sobre fundos monocromáticos, acompanhados no verso por uma frase manuscrita, irônica ou absurda, que, segundo se dizia, servia para evitar falsificações. Em torno deles vieram as esferas de terracota partidas da série Nature, as telas cintilantes de Veneza, de 1961, as telas em forma de ovo de La fine di Dio e, por fim, os jogos de sombra emoldurados dos Teatrini.

O público não o acompanhou com facilidade. Quando as telas perfuradas apareceram na Bienal de 1949, os críticos ficaram perplexos e os visitantes riram; os cortes foram atacados justamente por parecerem tão fáceis de copiar. Desde então, o mercado virou o argumento do avesso: em 2015, uma tela amarela de Concetto spaziale, La fine di Dio foi vendida pela Christie’s por US$ 29,2 milhões, uma quantia que os que riram em Veneza jamais poderiam ter imaginado.

O reconhecimento chegou tarde e de uma só vez. Na Bienal de Veneza de 1966, ele criou, com Carlo Scarpa, uma sala oval branca que abrigava telas atravessadas por um único corte e ganhou o Grande Prêmio de pintura; naquele mesmo ano, o Walker Art Center organizou sua primeira exposição individual em um museu americano, e ele apareceu, usando um uniforme de gala bordado, no filme de Ugo Nespolo La galante avventura del cavaliere dal lieto volto. Em 1968, instalou um único corte de gesso no centro de um labirinto todo branco na Documenta 4, em Kassel; depois, deixou Milão e foi para Comabbio, o vilarejo de sua família perto de Varese, onde morreu em 7 de setembro de 1968, aos 69 anos. Sua esposa, Teresita Rasini, que conheceu em 1930 e com quem se casou em 1952, criou a Fondazione Lucio Fontana em 1982 e deixou para ela mais de seiscentas obras do artista.

A fundação manteve a obra em circulação. As retrospectivas no Centre Pompidou e no Met Breuer foram seguidas, em 2025, pela primeira exposição em um museu dedicada exclusivamente às suas cerâmicas, na Peggy Guggenheim Collection, em Veneza. Até 19 de dezembro de 2026, a Hauser & Wirth Hong Kong apresenta Lucio Fontana: Spatialism. Pioneering the Contemporary, com curadoria de Luca Massimo Barbero e uma ampla introdução à obra do artista em chinês simplificado, a primeira desse tipo. Cada novo público se depara com a mesma proposta que ele fez com uma faca: uma imagem pode ser um limiar, e não uma janela, e aquilo que está por trás dela faz parte da obra.

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