Cecily Brown, a pintora do desejo que agora troca os corpos pelos parques e multidões

Cecily Brown

Nascimento	1969 Londres, Inglaterra
Ocupação	Pintora
Conhecido por	Destricted

Olhe para uma tela de Cecily Brown por tempo suficiente e a tempestade de pinceladas começa a revelar corpos: um joelho, uma boca aberta, duas figuras enlaçadas no que acaba sendo a margem de um rio. Essa revelação gradual criou um mercado em que suas pinturas são negociadas por milhões, e é justamente isso que a pintora britânica parece decidida a complicar agora. Seu retorno a Londres neste ano lotou uma galeria em Kensington Gardens com troncos caídos, caminhos pela mata e desenhos a tinta tirados de livros infantis; uma crítica saiu de lá admitindo que tinha ido em busca das orgias escondidas e acabou encontrando Humpty Dumpty.

Isso é um recuo ou o desfecho lógico de uma discussão que Brown vem travando com a pintura há muito tempo? Ela sempre quis que suas imagens permanecessem indefinidas diante de quem as observa. “Meu trabalho sempre teve uma espécie de natureza instável, porque nada é fixo”, disse à WSJ Magazine. “Você acha que sabe o que está vendo. Olha de novo e tudo muda.” As obras mais recentes voltam essa instabilidade contra a própria reputação da artista — e contra os colecionadores e críticos que achavam saber o que era uma Cecily Brown.

Filha da romancista Shena Mackay, Brown cresceu em Surrey depois de nascer em Londres, em 1969. Estudou na Epsom School of Art e no Morley College e se formou na Slade School of Fine Art em 1993. O amigo da família que a apresentou a Jasper Johns e Richard Serra e a levou para ver Francis Bacon foi o crítico David Sylvester, cujas entrevistas com Bacon todo estudante de arte da época havia lido. Aos 21 anos, ainda na Slade, ela descobriu que Sylvester era seu pai. Anos depois, resumiu a consequência de forma direta: “Sou uma nepo baby em Londres, e aqui as pessoas não sabem muito que meu pai era um figurão.” O “aqui” queria dizer Nova York.

Ela se mudou para lá em 1994, em parte porque, na Londres de Damien Hirst e Sarah Lucas, o impulso de pintar era visto como algo um tanto retrógrado. Jeffrey Deitch lhe ofereceu duas exposições individuais na Deitch Projects, no SoHo, em 1997 e 1998, ambas repletas de coelhinhos copulando. Em 2000, ela já estava na Gagosian, os coelhos tinham dado lugar a corpos humanos meio afogados em tinta espessa e veloz, e seus preços haviam chegado às seis cifras.

A fama chegou muito antes do reconhecimento da crítica: ela posou para a Vanity Fair e foi colocada ao lado de John Currin e Lisa Yuskavage como uma das pintoras figurativas do momento. Roberta Smith, do The New York Times, detonou sua primeira exposição na Gagosian; mais tarde, lembrou que considerara as pinturas “desnecessariamente bagunçadas, provocativas sem motivo” e “feitas para vender” — e elas venderam. A suspeita acompanhou Brown por uma década: a de que ela havia tomado emprestada a pose de Willem de Kooning e dos expressionistas abstratos sem assumir os riscos deles, e de que as fotografias faziam parte do trabalho por ela.

O que essa suspeita deixava passar era o quanto havia de leitura sob a superfície. Brown busca referências em Rubens, Bruegel, Bosch e Goya, e tira títulos de filmes antigos de Hollywood, como em Suddenly Last Summer. Seus desenhos vão ainda mais longe, chegando à capa de Electric Ladyland, de Jimi Hendrix. O curador Ian Alteveer rastreou a palavra maid, recorrente em seus títulos, até os anos de estudante da artista em Londres, quando ela pagava as contas limpando casas. Em 2014, ela deixou discretamente a Gagosian, começou a trabalhar com Andrea Crane, ex-diretora da galeria, e passou a dividir sua produção entre a Paula Cooper, em Nova York, e a Thomas Dane, em Londres. “Talvez fosse melhor me envolver mais e não ter delegado tanto poder”, disse sobre a mudança.

O acerto de contas aconteceu no Metropolitan Museum of Art. Cecily Brown: Death and the Maid, com curadoria de Alteveer e em cartaz de abril a dezembro de 2023, foi a primeira grande retrospectiva de Brown em Nova York, com obras de toda a sua trajetória, organizada em torno de crânios e mulheres belas que se contemplam no espelho. Antes da abertura, Brown confessou estar tomada por uma “síndrome completa de impostora”. Smith visitou a mostra três vezes e depois publicou uma coluna com o título “I Was Wrong About Cecily Brown”, admitindo que confundira complexidade deliberada com excesso porque nunca havia desacelerado o próprio olhar.

O mercado já havia deixado de esperar pela crítica muito antes. Suddenly Last Summer foi vendida por cerca de US$ 6,8 milhões na Sotheby’s em 2018 e, em novembro de 2025, High Society, uma tela da fase dos coelhinhos, alcançou US$ 9,81 milhões na Sotheby’s de Nova York, superando em 44% o recorde anterior da artista. Brown também direcionou essa força para outras causas: em 2021, doou There’ll be bluebirds, que arrecadou 3,5 milhões de libras na Christie’s para a ClientEarth, organização beneficente de direito ambiental.

É por isso que a recepção a Cecily Brown: Picture Making, em cartaz na Serpentine South de março a setembro de 2026, importa. Sua primeira grande mostra de pinturas em um museu britânico desde a exposição no Modern Art Oxford, em 2005, deu uma nova forma à velha crítica. O Arts Desk apontou como melhor obra da mostra uma pintura de mais de vinte anos, classificou as telas recentes como “empoladas e inertes” e descartou a série de caminhadas pela natureza como “um clichê pitoresco”. A Cultbytes estampou em sua resenha que Brown estava reduzindo a carga erótica. A reclamação agora é que ela deixou de ser a pintora pela qual as pessoas pagavam. É uma acusação bem mais estranha do que a que Smith fez em 2000 e diz tanto sobre a marca quanto sobre as pinceladas.

Ela não diminuiu o ritmo para responder às críticas. A sunset, a ruin, a crowd, and a battle, sua quarta exposição com a Thomas Dane e a segunda no espaço da galeria em Nápoles, abriu em 29 de setembro e fica em cartaz até 19 de dezembro de 2026. As trinta novas pinturas e desenhos vão do parque de sua mostra londrina às praias de um verão europeu. A obra central, Sorrento Sunset, tem quase quatro metros de largura: uma cidade turística apinhada, onde visitantes disputam espaço para tirar selfies contra a luz. Durante o verão, o Cranbrook Art Museum, em Michigan, exibiu uma de suas grandes telas ao lado de obras de Joan Mitchell e Sam Gilliam — companhia à altura dos artistas com quem Brown há muito é comparada.

Brown vive em Nova York com o marido, o crítico de arquitetura Nicolai Ouroussoff, com quem se casou em 2008; a filha do casal nasceu no ano seguinte. Ela trabalha em um estúdio perto da Union Square e diz que consegue passar de uma tela grande para uma aquarela e depois para uma gravura no mesmo dia.

Nápoles pode acabar sendo a resposta a Londres. Os corpos estão de volta, aos montes, mas agora estão queimados de sol, seguram celulares e fazem fila para tomar coquetéis. A pergunta em aberto para a próxima década de Brown é se os colecionadores que queriam os amantes em meio à vegetação também vão querer a multidão na praia. Brown já respondeu com tinta.

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