Eduard Steinberg, o pintor que o regime soviético barrou por vinte anos no sindicato

Eduard Steinberg

Nascimento	3 de março de 1937 Moscow, Soviet Union
Falecimento	28 de março de 2012 (75)
Ocupação	Pintor
Prêmios	Ordem da Amizade

Durante a maior parte da carreira, Eduard Steinberg pintou quadrados, círculos e cruzes suspensos numa luz pálida, cor de giz, para um público que caberia numa cozinha de Moscou. A instituição artística soviética não o aceitava em sua união, e a geometria que ele herdou de Kazimir Malevich era justamente o vocabulário que o Estado passara uma geração tentando sepultar. O que torna difícil enquadrá-lo é que ele nunca usou essa linguagem como código de protesto. Tratava o Suprematismo como um pintor de ícones trata a folha de ouro: um modo de apontar para algo que não aparece na imagem.

Essa convicção se formou numa pequena cidade às margens do rio Oka, e não numa academia. Seu pai, o poeta e tradutor Arkady Steinberg, voltou dos campos de prisioneiros proibido de morar em Moscou, e a família se instalou em Tarusa, cidade ribeirinha nos arredores da capital onde intelectuais ostracizados haviam se reunido. O filho não teve formação artística formal. Aprendeu a desenhar sob o olhar do pai e ganhava a vida como vigia, trabalhador braçal em obras e pescador — mais ou menos a classificação que o sistema soviético dava a um pintor que se recusava a pintar o que lhe pediam.

Nasceu em Moscou, em 3 de março de 1937, e viveu em Tarusa de 1954 a 1961. Em maio de 1961, participou de uma exposição na cidade que a Grande Enciclopédia Russa considera uma das primeiras mostras públicas da arte não conformista soviética. Seu irmão mais novo, Boris, nascido um ano depois, também se tornou pintor. Na década de 1970, Eduard passou a integrar o círculo informal de ateliês do Boulevard Sretensky, em Moscou, a mesma rede pouco coesa que reunia Ilya Kabakov, Erik Bulatov e Vladimir Yankilevsky.

As pinturas do início dos anos 1970 são paisagens luminosas e quase vazias, nas quais formas geométricas pairam como objetos numa natureza-morta, acima de uma linha baixa no horizonte. A partir de 1980, também trabalhou com guache e colagem sobre papelão. A historiadora da arte alemã Claudia Beelitz, autora de uma monografia sobre sua pintura metafísica, identificou paralelos inesperados entre a luz e o espaço dessas obras e as naturezas-mortas de Giorgio Morandi. Os sinais nelas não são tecnológicos, como os de Malevich. A cruz é o elemento que mais se repete, e a dimensão contemplativa e religiosa que os críticos percebem nas obras está sempre à mostra.

A relação com Malevich se tornou explícita em 1981. Quando o Black Square, obra do fundador do Suprematismo, foi exibido em Moscou, Steinberg o viu pessoalmente pela primeira vez e respondeu com um ensaio dirigido ao pintor morto por meio de suas iniciais, Letter to K.S., título que mais tarde também deu nome à sua primeira mostra individual na Polônia, no Muzeum Sztuki, em Łódź, em 2009. Ele também falava sem rodeios sobre a antiga fonte russa. “Sim, Rublyov é fundamental para mim”, disse em 2001, referindo-se ao pintor medieval de ícones. “Na sua Troica, vejo a tradição bizantina e a europeia unidas.”

A morte do pai, em 1984, levou-o ainda mais para o interior e deu origem à obra muitas vezes apontada como o auge de sua carreira: *Village cycle*, em que os rostos dos vizinhos do campo aparecem apenas esboçados, dentro de campos geométricos, em telas que levam nomes de pessoas e lugares. A série completa foi exibida em Moscou em 1989, em sua primeira exposição individual na cidade, e o Museum Wiesbaden descreve a recepção como um sucesso imediato, após décadas mantida em segredo na clandestinidade.

A porta para o Ocidente se abriu um ano antes, em condições que dizem muito sobre o sistema. Convidado a expor na França em 1988, Steinberg foi, segundo relatos russos sobre sua vida, incluído às pressas na União dos Artistas da URSS por ordem do Comitê Central, depois de vinte anos de pedidos rejeitados, para que pudesse viajar. A partir de então, foi representado pela Galerie Claude Bernard, em Paris. Em 1992, venceu um concurso para pintar a escadaria do edifício da seguradora R+V, em Wiesbaden: quatro telas do tamanho de paredes que o museu da cidade considera seu primeiro reconhecimento na Europa Ocidental. Passou a dividir o ano entre invernos num ateliê parisiense e verões em Tarusa.

O lado incômodo de sua reputação é que a narrativa que o Ocidente aprendeu a contar sobre a cena artística clandestina de Moscou não foi construída em torno de artistas como ele. Um relato russo sobre a transferência de seu ateliê foi direto: a vertente do simbolismo abstrato compartilhada por Steinberg e Mikhail Shvartsman teve menos popularidade que o conceitualismo e a Sots Art. A ironia circulou; a contemplação, não. Os álbuns de Kabakov e os slogans de Bulatov foram para o exterior como relatos de dentro do sistema, enquanto um pintor que respondia a Malevich com cruzes e uma luz silenciosa parecia, para alguns, um anacronismo e, para outros, o herdeiro obediente de Malevich. Quando o Frankfurter Allgemeine o resenhou em 1990, a manchete dizia que ele havia posto Malevich de pé — um elogio que também o mantinha à sombra do artista mais velho.

A Rússia oficial demorou a reconhecê-lo. A Academia Russa de Artes o nomeou membro honorário em 2008. Ele morreu em Paris, em 28 de março de 2012, e, como havia pedido, foi enterrado no antigo cemitério de Tarusa, sob um cubo simples de granito. Sua esposa, a crítica de arte e cinema Galina Manevich, autora do relato mais completo sobre sua vida, destinou então seu espólio a museus. Em 2013, doou 83 pinturas e colagens ao Museum Wiesbaden, que as exibiu em 2015 em East/West: Eduard Steinberg between Moscow and Paris. Em 2016, um tríptico tardio de 2010 passou a integrar o acervo do Centre Pompidou, também como doação dela.

Naquele mesmo verão, o ateliê de Tarusa que ele havia construído em 2001 passou para o Museu Pushkin, que o transformou numa residência artística e numa escola de verão para jovens historiadores da arte, além de se comprometer a publicar um catálogo raisonné. Em 2017, o Museu de Arte Moderna de Moscou marcou o que teria sido seu 80º aniversário com desenhos, aquarelas e colagens nunca antes exibidos, e a Galeria Estatal Tretyakov dedicou a ele uma retrospectiva completa, Moscow. Paris. Tarusa, de maio a julho de 2022. Neste outono, suas obras voltaram a aparecer na Bonhams, em Paris, entre trabalhos não conformistas soviéticos comprados diretamente de ateliês de Moscou por um repórter suíço.

Essas jornadas traçam o percurso de sua vida: um pintor impedido de viver na capital, depois excluído da união oficial e, por fim, proibido de viajar, cujas obras hoje estão nos museus das duas capitais entre as quais se deslocava. A geometria que defendeu numa cidade ribeirinha nunca foi pensada como estilo. Era a afirmação de que a abstração ainda podia carregar fé — e o cubo sobre seu túmulo em Tarusa faz a mesma afirmação sem dizer uma palavra.

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